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云来山更佳云去山如画——中国近现代书画专场

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2025-07-09 16:23:40 来源：今日热点网

颜文樑（1893年—1988年）

齐白石（1864年—1957年）

陈丹青（1953年—）

罗中立（1948年—）

吴作人（1908年—1997年）

黄君璧（1898年—1991年）

方力钧（1963年—）

颜伯龙（1898年—1955年）

石虎(1942年—2023年)

张大千（1899年—1983年）

常玉（1900年—1966年）

潘天寿（1897年—1971年）

黄宾虹（1865年—1955年）

周春芽（1955年—）

爱新觉罗·溥儒（1896年—1963年）

吴湖帆（1894年—1968年）

黄胄（1925年—1997年）

关良（1900年—1986年）

朱屺瞻（1892年—1996年）

张仃（1917年—2010年）

高奇峰（1889年—1933年）

邓芬（1894年—1964年）

亚明（1924年—2002年）

何多苓（1948年—）

陶一清（1914年 —1986年）

郭味蕖（1908年—1971年）

毛焰（1968年—）

孔小瑜（1899年—1984年）

俞致贞（1915年—1995年）

吴青霞（1910年—2008年）

谢东明（1956年—）

喻红（1968年—）

作品欣赏

（原作拍摄）

我为快乐而画，

把感情倾进去，

越画心里越快乐。

——颜文樑

Lot 001

颜文樑余晖

油画35×27cm

题识：颜文樑

印文：樑

简介：颜文樑（1893年7月—1988年5月），字栋臣，江苏苏州人。我国著名油画家，美术教育家。1952年以来，历任中央美术学院华东分院副院长兼教授，浙江美术学院顾问。美术家协会华东分会理事，上海分会常务理事、副主席，中国美术家协会理事、顾问。

丹青圣手，桃李天下

颜文樑是中国现代油画的重要先驱之一，其油画作品具有鲜明的艺术风格和独特的艺术魅力。

颜文樑的油画风格独特，他善于将西方古典主义造型与印象主义色彩融为一体，形成了自己独特的艺术风格。他的油画作品既具有西方油画的精致与细腻，又融入了东方艺术的韵味与意境。这种中西融合的艺术风格，使得他的作品在艺术界独树一帜，备受赞誉。

颜文樑的油画色彩明快绚丽，变化微妙丰富而不失整体气势。他善于运用色彩来表达情感和氛围，通过色彩的对比和调和，营造出一种独特的视觉效果。他的作品中，色彩的运用既符合西方油画的色彩规律，又融入了东方艺术的色彩观念，使得作品在色彩上呈现出一种独特的魅力。

颜文樑的油画笔触细腻凝炼，工中有写。他善于运用细腻的笔触来描绘细节，同时又注重整体的构图和布局。他的作品中，笔触的运用既展现了西方油画的精致与细腻，又体现了东方艺术的意境与韵味。这种笔触的运用方式，使得他的作品在视觉上更加生动、形象。

颜文樑的油画作品注重光影效果，善于运用光影来营造立体感。他善于捕捉光线在物体上的反射和折射，通过光影的对比和变化，使得作品在视觉上更加立体、生动。这种光影效果的运用，不仅增强了作品的视觉冲击力，还使得作品在艺术上更加具有层次感和深度。

颜文樑的油画作品题材广泛，涵盖了风景、静物、人物等多个领域。他的作品不仅具有艺术价值，还反映了当时社会的时代背景和人文情感。他的作品中，既有描绘自然景色的壮丽与壮美，也有表现人物形象的生动与传神。这种作品题材的广泛性，使得他的作品在艺术上更加具有时代感和现实意义。

颜文樑的代表作之一《万里长城（长城颂）》是他一生中最重要且尺幅最大的作品之一。这幅作品巧妙地将印象派风格与中国传统绘画技巧进行结合，展现了长城在春雪初霁后的壮丽景象。画面中，阳光温暖地照耀在蜿蜒的山脉和河流上，绿色从白雪覆盖的山谷中逐渐生长，带来了一片生机与希望。这幅作品不仅展示了颜文樑精湛的绘画技艺，还体现了他对中国传统文化的热爱和致敬。

颜文樑的油画作品具有独特的艺术风格、明快的色彩、细腻的笔触、注重光影效果以及广泛的题材等特点。他的作品不仅在中国艺术界具有重要地位，还对后世产生了深远的影响。作为中国现代油画的重要先驱之一，颜文樑的油画作品无疑具有极高的艺术价值和历史意义。

（原作拍摄）

蝉眼龟形脚似蛛，未尝正面向人趋。

如今饤在盘筵上，得似江湖乱走无。

Lot 002

齐白石群蟹图

立轴水墨纸本 68×45cm

题识：星塘老屋后人白石

钤印：白石

简介：齐白石（1864年1月1日—1957年9月16日），原名纯芝，字渭青，号兰亭，后改名璜，字濒生，号白石、白石山翁、老萍、饿叟、借山吟馆主者、寄萍堂上老人、三百石印富翁，祖籍安徽宿州砀山，生于湖南长沙府湘潭（今湖南湘潭），近现代中国绘画大师。曾任中央美术学院名誉教授、中国美术家协会主席等职。

精准传神，形神兼备

齐白石对螃蟹的形态把握达到了极高的艺术水准。他通过细致的观察，将螃蟹的硬壳、八条腿、两只大钳子等特征刻画得栩栩如生。

齐白石对螃蟹的形态刻画达到了极高的艺术水准。他通过细致的观察，将螃蟹的硬壳、八条腿、两只大钳子等特征刻画得栩栩如生。他八十岁左右至九十多岁时，将蟹壳由数笔减为三笔，每笔有深浅，仍能表现壳的质感。这种精准的形态刻画，使观者仿佛能够感受到螃蟹的坚硬外壳和灵活的肢体。

齐白石不仅注重螃蟹的静态形态，更善于捕捉螃蟹的动态。他观察到螃蟹在水中爬行、横行、打斗等各种姿态，并将这些动态融入到自己的画中。有的螃蟹张牙舞爪，气势汹汹；有的螃蟹悠闲自得，缓缓爬行；有的螃蟹两两相对，似乎在争斗。这些不同的动态使画面充满了生机和活力，让人仿佛能够感受到螃蟹们在水中的欢快嬉戏和顽强生存。

齐白石认为绘画不仅仅是对物体外形的描绘，更重要的是要表现出物体的内在精神和神韵。在画蟹时，他通过墨色的运用和线条的勾勒，传达出螃蟹的勇猛、顽强和机智。螃蟹的硬壳象征着坚强不屈，大钳子则代表着勇敢无畏。他用简洁而有力的笔触，将螃蟹的神韵表现得淋漓尽致，使观者在欣赏画作的同时，也能感受到螃蟹所蕴含的生命力量和精神品质。

齐白石的笔墨技法简洁明快，富有变化。他用浓墨来突出螃蟹的重要部位，如硬壳和大钳子，用淡墨来表现螃蟹的身体和腿部，使画面层次分明，富有立体感。同时，他还善于运用干笔和湿笔的结合，使墨色在纸上自然渗透，产生出一种独特的韵味。

齐白石在构图布局上也颇具匠心。他善于利用视觉艺术的平面构成原理，精心安排螃蟹的位置，营造出旋转的效果，强化了螃蟹聚集时特有的混乱和活泼氛围。在《群蟹图》中，他通过满画幅的形式，将多只螃蟹错落有致地排列在画面中，使画面充满了动感和节奏感。

螃蟹在齐白石的画中不仅仅是一种生物，更是一种象征。螃蟹的横行无忌象征着他对世俗的不屈和反抗；螃蟹的顽强生存象征着他对生命的尊重和热爱。他通过画蟹表达了自己对自由、独立和坚强的追求，也传达了他对人生的深刻思考和感悟。

从一个完全无知的状态，慢慢变成一个所谓画家。

——陈丹青

陈丹青人物

油画 60×45m

题识：陈丹青2004

简介：陈丹青，祖籍广东台山市，1953年生于上海，毕业于中央美术学院。1980年以《西藏组画》轰动中外艺术界，成为颠覆教化模式，并向欧洲溯源的发轫，被公认为具有划时代意义的经典之作，2006年，荣获中国首届“时代艺术家大奖“。

自由不羁的生活情味

陈丹青是中国当代著名画家和美术评论家，他以其精湛的笔墨技巧和独特的艺术风格而闻名于世。他的笔触简洁而准确，用线条勾勒出人物形象，给观者带来一种复古而精致的感觉。

陈丹青的笔法独特，他的笔触需要经过长期的专业训练和磨砺，他的每一笔都能够精确地捕捉到人物的轮廓、姿态和肌肤的温度。他善于使用中锋笔，通过线条的变化和力度的控制，使人物的形态和体积充满了生动感。

陈丹青的《女人体》（2005年）是其人体写生系列的重要作品，以侧背面女性人体为核心，通过灵动笔触捕捉动态意向，强调肌肤的光感与透明感。画面色调较其早期《西藏组画》更鲜亮，融合安格尔的古典造型与弗洛伊德的表现性技法，以写实手法探讨人体与写生场景的直白关联。

作品延续了陈丹青任教期间对人体写生的探索，笔触细腻且富有表现力，注重刻画肌肤的质感与体积感。画面通过侧背视角和垫子的搭配，强化了人体的柔美曲线，呈现出既古典又具现代感的视觉效果。

他的线条自起自导，有着独立而自主的力量。他以线条为主导，以线条为基础，将人物的轮廓、重量、空间、体积、骨与肉都融入到线条中去。他的线条灵活而自由，展现出人物形体的均衡和和谐。

通过陈丹青的线条技巧，人物的造型生动而饱满，姿态自然而动感十足。他通过线条的勾勒展现出人物的情感和内心世界，使观者可以感受到人物的生气和活力。他的线条技巧让观者可以更加深入地理解和体会每一个人物形象。

总之，陈丹青的线条技巧使人物形体生动而具有立体感，他的线条精湛而复古，通过线条的勾勒，他能够捕捉到人物的姿态和情感。他用自己独特的笔法创造了一种纸上的生活，让观者能够感受到人物形象的温度和力量。陈丹青的线条技法不仅仅是一种表现手法，更是一种传递情感和体验生活的方式。

（原作拍摄）

梦想的种子，终成参天之木！——罗中立

Lot 004

罗中立人物

油画 30×24cm

题识：LuoZhongli罗

简介：罗中立，1948年出生，毕业于四川美术学院，艺术家，教育家，四川美术学院原院长。现任中国当代艺术院院长，中国美术家协会常务理事，中国油画协会副主席，中国美协第九届顾问，重庆市美术家协会主席、重庆市文联主席，1997年被评为文化部百位“德艺双馨”的艺术家，1998年被评为国家有突出贡献的中青年专家。

当代画坛真正的乡土抒情诗人

罗中立，中国当代著名的油画家和教育家，其油画作品在艺术界享有极高的声誉。罗中立的油画作品常常以现实生活为题材，通过细腻的笔触和深刻的内涵来展现人性的美好与复杂。他善于运用各种绘画技巧和材料来表现人物的内心世界和情感，作品充满了浓厚的生活气息和人文关怀。

罗中立在色彩和构图的运用上也极具匠心。他善于运用对比强烈的色彩来增强画面的视觉效果，同时通过巧妙的构图来引导观众的视线和情感。

罗中立的油画作品不仅在国内艺术界享有盛誉，还受到了国际艺术界的广泛关注。他曾在美国芝加哥、比利时布鲁塞尔等地举办个人画展，让世界看到了中国当代油画的魅力。

罗中立的油画作品以其独特的艺术风格、深刻的内涵和精湛的技巧在艺术界享有极高的声誉。他的作品不仅具有极高的艺术价值，还承载着深刻的社会意义和文化内涵，是中国当代艺术的重要组成部分。

（原作拍摄）

志远心高傲碧空，疾飞似电自称雄。

白云滚滚从容过，沧海茫茫展翅冲。

穿朔雪，入苍穹，悬崖绝壁育雏功。

草中狸鼠闻之颤，溽暑寒冬战恶风。

Lot 005

吴作人远瞩

立轴设色纸本 109×58cm

题识：一九八四年甲子盛夏于京西郊作人写

印文：吴作人曾客通天河上

简介：吴作人（1908年11月3日—1997年4月9日），安徽宣城泾县人，生于江苏苏州，从师徐悲鸿先生，曾任中央美术学院教务长、副院长、院长、中国美术家协会副主席。文化委员会主任等职。原为中央美术学院教授、名誉院长，中国美术家协会主席。

寥数笔生动传神

吴作人早年攻素描、油画，功力深厚；间作国画富于生活情趣，不落传统窠臼。晚年后专攻国画，境界开阔，寓意深远，以凝练而准确的形象融会着中西艺术的深厚造诣。在素描、油画、艺术教育方面都造诣甚深，他在中国画创造方面更是别创一格，自成一家。

世人评说吴作人的画“落笔惊风雨，画成泣鬼神。”其笔墨传情，已达出神入化之境。可以说吴作人将毕生精力都交给了中国的教育事业和艺术发展。他是中国新文化运动之后全面掌握西方绘画观念和技法的杰出代表之一，也是用现代造型手段改造中国传统绘画方法、推行艺术教育改良的重要代表。吴作人的艺术，是一个时代的探索与积累。

他以深厚的学识，开阔的心胸，通达的思想，积极地“接受和消化各方面的营养”。对于中国的传统艺术，他以文人画为切入点溯流而上，上溯盛唐雄浑之度，接魏晋风骨，追秦汉古风，直取本土古文化之核心精神。对于西方的传统艺术，他以徐悲鸿提倡的“写实主义”为突破口，接古典主义之精粹，又顺流而下取印象主义色彩之神韵，获得了西方艺术发展五百多年的创作内核。

在60余年的艺术生涯里，他深深扎根于中华文化沃土之中，怀揣着“法由我变，艺为人生”的艺术观，遵循着“师造化，夺天工”的创作道路，继承发展传统，为“中国水墨画”开拓了新的风貌。吴老一生全身心致力于艺术创作与艺术教育，是中国画坛典型的学者型艺术巨匠，也是20世纪中国画坛的重要代表人物之一。

（原作拍摄）

凉月如眉挂柳湾，越中山色镜中看。

兰溪三日桃花雨，半夜鲤鱼来上滩。

Lot 006

吴作人鱼趣

立轴设色纸本 95×44cm

题识：一九七九年夏作人笔

印文：作人

不画水却似水中游

吴作人的《鱼趣》以其独特的艺术风格和精湛的技法展现了金鱼在水中畅游的神态。他通过细腻的笔触和墨色的巧妙运用，将金鱼的灵动与活力表现得淋漓尽致。吴作人擅长以凝练而准确的形象描绘金鱼，寥寥数笔便能勾勒出金鱼的神韵。他善于运用留白和淡墨来表现水面的清澈与金鱼的轻盈，使得画面更加生动传神。同时，吴作人还注重色彩的运用，以不同色彩搭配淡墨，使得金鱼在水中畅游的神态更加美丽优雅。

《鱼趣》的构图十分讲究，画面中的金鱼在水中畅游，尾尾神态各异，惟妙惟肖。金鱼在荷花莲叶之下怡然自得，整个画面充满了生机与活力。吴作人通过巧妙的构图和细腻的描绘，将金鱼的灵动与荷花的静谧相结合，形成了一种动静相宜的意境。这种意境不仅展现了金鱼的优美姿态，还传达了一种悠然自得、自在逍遥的精神境界。

在中国传统文化中，金鱼是吉祥的象征，寓意着年年有余、金玉满堂等美好寓意。吴作人的《鱼趣》不仅展现了金鱼的自然之美，还通过其文化寓意传达了人们对美好生活的向往和追求。画面中的金鱼在水中畅游，仿佛在向人们展示着一种无忧无虑、自在逍遥的生活方式，这种生活方式正是人们所向往和追求的。

吴作人的《鱼趣》不仅展现了他在国画领域的深厚造诣，还体现了他在艺术上的不断创新和追求。他的作品以凝练而准确的形象、深邃的意境和独特的艺术风格而著称，对中国美术界产生了深远的影响。吴作人的艺术成就不仅体现在他的画作上，还体现在他对艺术教育的贡献上。他曾担任中央美术学院院长等职务，为中国美术事业的发展做出了杰出贡献。

吴作人的《鱼趣》以其独特的艺术风格、精湛的技法、深远的意境以及丰富的文化寓意而备受赞誉。这幅画作不仅展现了吴作人的艺术才华和造诣，更通过其深刻的象征意义和文化内涵而成为了中国画坛上的瑰宝之一。

(原作拍摄）铺天盖地越天涯,力竭声嘶卷土沙。

涉水洪涛千瀑直,翻山翠竹万竿斜。

Lot 007

黄君璧飞瀑雷鸣

立轴设色纸本 94×34cm

题识：丁巳春画于白云堂君翁黄君璧时年八十

印文：黄君璧印君翁

简介：黄君璧（1898年11月12日—1991年10月29日）台湾著名画家，广州南海人。原名允瑄，晚号君翁，本名韫之，以号行，中国现代著名国画艺术家、教育家。

自成一格，气势万千

“ 山水画中最难着力的，雨雪数第一。雨和雪虽然都是由云气所形成，却表现了两种极不相同的风貌。”

—— 黄君璧

黄君璧善画山水，传统功底深厚，他经历了现代中国画的继承、演变、革新的全过程。他从学中国画之日起就兼学西画，是一个通西画的中国画家，在西方艺术界他被称为“中国新古典派”。

黄君璧没有溥心畲的“旧王孙”情结和名士风度，也没有张大千风流高逸的仙豪之气，即使享大名的晚年，也总是保持着顺时守拙、节俭朴素、和蔼待人的生活态度，和严于理法、勤于耕耘与诲人不倦的治艺精神。

黄君璧是二十世纪中国艺术大师之一，又是杰出的教育家，久为中外人士所推崇。他一生中，致力国画创作，并为社会培养英才，这都是他个人终身努力追求的理想与目标。

他献身教育七十载，桃李满天下。而于年近古稀之际，他开始赴世界各地畅游名山胜水，汲取自然精华，融入画中，所作之画，雄伟壮丽，气势万千，云山瀑布，自成一格，为世人所赞誉。

（原作拍摄）

可控的自由一定是可以练就的

——方力钧

Lot 008

方力钧我

油画 80×80cm

题识：方力钧

简介：方力钧，1963年生于河北邯郸，1983年毕业于河北轻工业学校陶瓷美术专业，1989年毕业于中央美术学院版画系。画家，居住在北京。

高清局部，细腻笔触

方力钧的油画以“光头泼皮”形象为核心符号，通过玩世现实主义的荒诞表达、强烈的视觉语言与色彩张力，以及对时代精神的深刻洞察，成为中国当代艺术中极具辨识度的创作范式。其作品既是对个体生存状态的隐喻，也是对社会转型期集体心理的镜像，在艺术价值与市场影响力上均具有标杆意义。

方力钧的光头油画，是中国当代艺术中极具标志性与辨识度的视觉符号，它不仅承载着艺术家对时代精神的敏锐捕捉，更以独特的艺术语言探讨了集体与个体、荒诞与真实、存在与虚无等深刻命题。

方力钧的光头形象，始于1988年的创作实验。这一选择并非偶然：艺术家本人剃光头的行为，既是对学院派“典型人物”塑造的反叛，也是对90年代中国社会精神状态的隐喻。当宏大叙事崩塌后，光头成为一种“去个性化”的集体符号——它消除了身份、阶级、性别的差异，将人还原为“人”的本质存在。这种符号化处理，既是对传统艺术中“英雄叙事”的解构，也是对时代虚无感的回应：在理想主义褪色、商业浪潮席卷的背景下，人们只能以戏谑与荒诞对抗存在的无意义。

方力钧的光头油画以浓烈的色彩、夸张的造型和拥挤的群像构图，构建出强烈的视觉压迫感。他摒弃了传统写实油画的细腻笔触，转而采用平涂、堆叠等手法，使画面呈现出一种“非表现性”的中性感。这种处理方式，既弱化了画家的主观情绪，又强化了光头形象的符号属性。

方力钧的光头油画并非一成不变，其主题随着时代变迁与个人成长不断深化。早期作品（如90年代初的“光头泼皮”系列）以社会批判为主，通过夸张的表情和荒诞的构图，讽刺时代的虚无与个体的困境。

近年来，方力钧的创作又回归个体，但已不再局限于反叛与另类，而是从个体中影射社会、世界。例如，他的人像系列完全省略了与“面孔”不相关的要素，将概念化的“人”放大成具体的“像”，集中刻画人物的五官与面部表情。这些肖像的形象大多来源于他的亲人和朋友，既体现了对个体生命的尊重，也暗示了艺术与生活的紧密联系。

方力钧的光头油画不仅是中国当代艺术的标志性符号，更是一部用视觉语言书写的时代史诗。它以独特的艺术语言，探讨了集体与个体、荒诞与真实、存在与虚无等深刻命题，为中国当代艺术的发展提供了重要启示。

（原作拍摄）

东风袅袅泛崇光，香雾空蒙月转廊。

只恐夜深花睡去，故烧高烛照红妆。

Lot 009

颜伯龙花鸟

立轴设色纸本 123×33cm

题识：庚辰仲春颜伯龙写

印文：伯龙书画椿草堂主

简介：颜伯龙（1898年—1955年），正黄旗，北京人。名云霖，字伯龙（以字行），号长白布衣，所居椿草堂。民国时期京津画派著名的花鸟画家，工山水、人物、翎毛、走兽。因颜先生不喜仕途，只想做一介布衣，潜心作画，又因颜先生祖籍长白，故称“长白布衣”。

工写兼能，设色典雅

颜伯龙是近代著名花鸟画家，他是北京人。颜伯龙从小喜欢绘画，长大后进入专业院校学习。京津画派有个绘画研究组织叫“国画学研究会”，颜伯龙是其中的一名成员。他每日与人交流切磋，进步很快。京津画派擅画花鸟的名家很多，颜伯龙可以脱颖而出和他的风格有关。

他既可以画工笔作品也可以画写意作品，在设色方面古朴典雅，让人看了之后顿觉赏心目、神清气爽。工笔花鸟画的技法始于唐代，巅峰期在宋代。工笔花鸟画的用线相对单一，要么是铁线描，要么是游丝描。为了破除呆板的感觉，就需要在色彩、构图方面多做调整。

从尝试创作没骨花鸟画入手，体会色彩变化的妙趣，从写意技法入手，增强色彩的表现力。由此形成了工写兼能的创作风格，进入游刃有余的创作阶段。

颜伯龙的作品常常“拟元人笔法”、“仿新罗山人笔意”，这代表了他的审美情趣。笔法之外还有墨法，雅致之外还有自然，描绘有生命张力的作品，成了他的艺术追求。

近代画家面对西式画法写实性极高的作品，往往会有一种不自信的感觉。颜伯龙具有高人一等的审美情趣，他一眼看出了西画过于重视写实性的弊端。他认为，西画技巧拘泥写实，很像标本，缺少艺术作品的灵性。

（原作拍摄）

丹青妙笔绘华章，重彩浓墨映画堂。

人物栩栩神韵在，衣袂飘飘意气扬。

眉宇含情藏故事，眸光流转诉衷肠。

画中世界千般好，一曲清歌绕画梁。

Lot 010

石虎重彩人物画

镜心设色纸本 40×30cm

题识：石虎

印文：石虎

简介：石虎(1942年—2023年9月9日)，1942年出生于河北徐水县，1958年入北京工艺美术学校，1960年入浙江美术学院。1977年任职于人民美术出版社。

水墨生灵的形意密语

石虎的彩墨画以其独特的艺术风格和创新性而著称。他的彩墨画不仅在视觉上与传统水墨画形成鲜明对比，还在艺术表达上展现了东方艺术的独特魅力。石虎的彩墨画在视觉上具有强烈的冲击力，色彩鲜艳而不浮夸，画面丰富而不单调。他的作品常常突破传统重彩画的程式化限制，展现出随意洒脱的笔触和独特的构图方式。

石虎的创作理念强调“形象大于思维，直觉大于理性，人性大于学养”，这种理念贯穿于他的整个创作过程。他的作品不仅是对物象的再现，更是对内心世界的探索和表达，充满了生命力和灵性。石虎在创作过程中，虽然有深刻的思考和观念，但在面对画纸和画布时，更注重实践和感觉的引领，尊重自己的感觉功能，追求内心的真实感受和需要。

石虎彩墨东方之笔勾勒的意蕴,抽象之美碰撞的气魄,朴素、尽情、畅兴。这些画作,体现着一位智者强悍的生命意志,包含着艺术家石虎吐故纳新的能力和勇气。根植“中国味”的“根性”,有机融合多种绘画语言和表现方式,构成了石虎原生而多情的彩墨世界。以下是凤凰艺术为您带来的评论文章。

在艺术道路上，石虎始终坚持自己的创作理念。他相信“形象大于思维，直觉大于理性，人性大于学养”，这一理念贯穿于他的整个创作过程。石虎作画并非单纯依赖观念，而是更多地依靠自己的直觉和灵性。他深知绘画需要超越思维和理性的束缚，让生命本能的冲动和意识自由流淌。

当然，石虎在创作过程中并非完全摒弃思考和观念。相反，他对历史、社会、人生和艺术都有深刻而独到的思考。然而，在面对画纸和画布时，他更注重实践和感觉的引领。他尊重自己的感觉功能，追求内心的真实感受和需要。在创作过程中，石虎似乎胸有成竹，但又全然胸无成竹，完全凭借自己的感觉和感性去作画。

石虎的绘画作品充满着生命力和灵性，展现出他对自然和人生的深刻洞察。他的画作不仅是对物象的再现，更是对内心世界的探索和表达。石虎的创作风格独特，语言质朴而深刻，给人留下深刻的印象。

石虎的彩墨画在艺术表达上具有深厚的文化底蕴和独特的审美视角。他的作品不仅在视觉上令人震撼，更在精神层面上满足了当代画坛对新型重彩画的期待。他的创作灵感来源于对生活的深刻观察和感悟，通过彩墨画的形式表达出来，使得他的作品具有强烈的情感共鸣和艺术感染力。

（原作拍摄）

绿艳闲且静，红衣浅复深。

花心愁欲断，春色岂知心。

Lot 011

张大千花卉

立轴设色纸本 70×33cm

题识：六十七年戊午冬日憶录旧作八十叟爰摩耶精舍

印文：张爰之印大千居士

简介：张大千（1899年5月10日—1983年4月2日），四川省内江市人，原名正权，后改名爰，字季爰，号大千，别号大千居士、下里港人，斋名大风堂，中国近现代国画家。

构图奇绝，气势如虹

张大千是全能型画家，其创作“包众体之长，兼南北二宗之富丽”，集文人画、作家画、宫廷画和民间艺术为一体。于中国画人物、山水、花鸟、鱼虫、走兽，工笔、无所不能，无一不精。张大千是二十世纪中国画坛最具传奇色彩的国画大师，无论是绘画、书法、篆刻、诗词都无所不通。早期专心研习古人书画，特别在山水画方面卓有成就。后旅居海外，画风工写结合，重彩、水墨融为一体，尤其是泼墨与泼彩，开创了新的艺术风格。

张大千最突出的贡献是其独创的泼墨泼彩的山水画技法，对中国传统的绘画技法与精神内涵都有了继承与发扬。泼墨泼彩画主要是用笔蘸墨在纸上或绢上大片泼洒，在中国传统山水画中，这种绘画技法主要是用来作大写意，表现出洒脱的气势与营造出淋漓的笔墨效果，张大千借助大写意的笔墨技巧，通过色彩与水墨的氤氲效果将其心中的山水书写出来，同时也结合了工笔画中的渲染、烘托等手法。

传统中国画注重“墨分五色"，墨的干湿浓淡运用一直占有重要的地位，而色彩却是可有可无的，但在张大千的泼墨泼彩的山水画中，融入了西方现代色彩的观念与技法，充分发挥出了墨与色的呼应关系，整个画面墨淋漓、色氤氲，气韵于山间盘绕，产生出浪漫迷奇的效果。

张大千的艺术生涯和绘画风格，经历“师古”、“师自然”、“师心”三阶段：40岁前“以古人为师”，40岁至60岁之间以自然为师，60岁后以心为师。早年遍临古代大师名迹，从石涛、八大到徐渭、郭淳以至宋元诸家乃至敦煌壁画。在张大千的各类画稿中，又以白描人物画最为精湛。大千所画白描人物，线条如“曹衣出水”、“吴带当风”，流畅遒劲，秀润清雅。所谓“形神兼备”，正是其白描人物画的真实写照。

徐悲鸿毫不吝啬地称他为“五百年来一大千”；民国时期北平画坛领袖人物溥心畬更直言“宇宙难容一大千”。西方艺坛赞他是“东方之笔”。1956年张大千在法国会晤毕加索，西方报纸还将这次会晤誉为“艺术界的高峰会议”。他是二十世纪中国最传奇的画家，以至于他离开以后，无数人感慨：“大千世界依旧，画坛传奇再无”，多少人终其一生都在追随先生高古的画风。

（原作拍摄）

秋菊诗人赏,文人对酒杯。

——常玉

Lot 012

常玉蓝菊与玻璃瓶

油画 77.5×55cm

印文：玉SANYU

简介：常玉（1900年10月14日—1966年8月12日），本名常有书，生于四川顺庆（南充市）的富商家庭，1910年即与赵熙习画，长于书法的他，1917年入上海美术学校就读，1919年常玉与徐悲鸿、林凤眠以留法勤工俭学的方式前往巴黎,并于1919年赴日时在东京展出其书法作品，而获当地杂志刊载推荐。1938年他曾短期回中国，接着转往纽约，在该地生活了两年。并于1948年在纽约现代美术馆展出作品。该馆同时印行“瓶花”的彩色明信片。1948年返回法国，直至1966年逝世于巴黎。台北国立历史博物馆收藏常玉40几幅油画巨作，曾于1978起定期举办他的回顾展及学术研究，藉此宣扬他有20世纪中国美术史的成就。

一个孤独游荡在异国的中国画家——常玉

常玉的瓶花作品展现了他对艺术的独特理解和情感表达，成为了他内心世界的一面镜子。

常玉，被誉为“中国的莫迪里阿尼”和“中国的马蒂斯”，是20世纪初中国第一代旅法画家之一。他的艺术生涯虽然生前鲜有认可，但逝世后，其作品逐渐受到西方藏家的重视和追捧。常玉的作品以花为主题，尤其是瓶菊，占了他创作中很大的比例，其中《白瓶粉红菊》是其最为钟爱并反复创作的题材之一。这件作品不仅在尺幅上是1930年代最大尺幅的菊花题材作品，而且展现了艺术家企图突破自己的决心。

常玉在创作中注明了年代——1931年，这一时期属于他的“粉色时期”，作品画面明亮，用色简单，以粉红色为主色调，配合以褐色与墨黑色块，描绘出花卉、人体、静物等丰富题材。

常玉的作品不仅仅是视觉上的享受，更是他内心世界的反映。他的静物作品，尤其是瓶花，被视为他内心世界的一面镜子。画中的花朵常常显得孤单无力，残花败韵，像失去母亲的孩子般孤单寥寂，传达出一种“残月伴秋寒，冷冷清清”的凄凉感。这种情感表达，反映了常玉对故乡和童年的深切怀念，以及他在巴黎生活中的孤独和寂寞。

观常玉中的艺术创作，他在吸纳了巴黎现代艺术的精髓后，再次回归到中国的传统土壤中汲取养分，最终达成了传统文化与现代主义的完美结合，独特的艺术才情迸发而出。“花卉”这一贯穿了常玉各个创作时期的重要主题，也在这一阶段展现出融会贯通，返璞归真的东方美学特色。

“人生即超越，艺术即道路。”常玉一生所坚守的艺术美学或许可以用这句来完美概况。作为一个同时接受传统中国私塾教育和西学训练的新知识分子，常玉对艺术有着独特的敏锐感受。从晚清到民国，从中国到日本，再从欧洲到美国，常玉不断以中国传统知识分子的的身份去碰撞西方的现代知识结构。以其横跨中西的知识体系，连接了现代与传统的各式美学理念，此种“中西融合”的趋势成就了常玉独一无二的艺术风格。

花卉是陪伴常玉一生的艺术主题，早期的花卉无疑为巴黎艺术界构筑了一个来自东方的美梦：无论是构图、笔法及色彩的运用都笼罩在淡淡的如梦一般的温柔之中。而晚期的花卉风格则愈加老辣绚丽，流光溢彩。与其说是常玉对花卉的情有独钟，倒不如说花卉已等同艺术家的自画像，《蓝菊与玻璃瓶》所表现的正是常玉无可比拟的典雅气度。

（原作拍摄）

秋菊诗人赏,文人对酒杯。

——常玉

Lot 013

常玉花卉

油画 50×37cm

印文：玉SANYU

（原作拍摄）

原野何萧条，白日忽西匿。

归鸟赴乔林，翩翩凌羽翼。

Lot 014

潘天寿花鸟

立轴设色纸本 137×44cm

题识：戊子木樨开馨里秃寿指墨

印文：潘天寿

简介：潘天寿（1897年3月14日—1971年9月5日），字大颐，自署阿寿、寿者。现代画家、教育家。浙江宁海人。受教于经亨颐、李叔同等人。其写意花鸟初学吴昌硕，后取法石涛、八大，曾任中国美术家协会副主席、浙江美术学院院长等职。中国文联委员；1958年被聘为苏联艺术科学院名誉院士。

构图奇绝，气势如虹

历史上，梅兰竹菊画法是所有画中国画的人必须掌握的，哪怕是山水、人物画家，都会画梅兰竹菊。例如“元四家”黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙，对梅兰竹菊的画法都非常熟练，其中倪瓒的竹子画的非常轻松、飘逸，吴镇笔下竹枝挺近。后来“吴门四家”的沈周、仇英、唐寅、文征明都有着极强的功力。文征明的兰竹文气十足，堪称此类题材中的高手。

这说明，中国画家自古以来就很重视对梅兰竹菊的训练，尤其是文人画兴起后，此类题材得到了更为深入的发展。潘天寿对于中国传统文化理解很深、很透，所以他在中国画教学处境艰难时，非常强调梅兰竹菊的训练。

潘天寿先生主张花鸟画的布置，应以势为主，他说：“气要盛，势要旺，力求在画面上造成蓬勃灵动的生机和节奏韵味，以达到中国绘画特有的生动性。”至于布置的方法，他认为是以“搜尽奇峰打草稿”，选奇峰配奇峰，即以奇配奇，出奇制胜。

他认为，虚实疏实是布置中最重要的问题，也是中国画的重要特点。他说：“画事之布置，极重疏、密、虚、实四字，能疏密，能虚实，即能得空灵变化于景外矣。”以虚实而论，他说：“大抵实处之妙，皆因虚处而生，”即“以虚显实”，“老子说：‘知白守黑’，就是说黑从白现，深知白处，才能处理好黑处”，所以，画事布置重在布虚，即着眼于空白。

中国画中的大虚大实，大疏大密，是为求画面的清楚明豁，主体之点突出。因为人看东西，往往“心不在焉，视而不见”， “触目横斜千万朵，赏心只有两三枝。”所以，画家作画，只要着眼于“两三枝”，其他“心不在焉”的东西，一概予以省略，以至代之空白，使“两三枝”清楚，突出，给人印象深刻就好了。此所谓“有所得必有所失”也。如求面面俱到，巨细不遗，则反易消弱全幅力量气势之表达。

潘天寿的绘画，呈现出的不仅是一种扑面而来的浩然之气和令人拍案叫绝的奇异构图，还有一种能让你慢慢感悟的清净之意境。对此，潘天寿先生曾形象地说过：“石溪开金陵、八大开江西、石涛开扬州，其功力全从蒲团中来”，“静则静如老僧补纳”。而“从蒲团中来”，就是指心要极静。

（原作拍摄）

戴鹰阿言崖岸不高，龊龊者纷集。

惟栖神物外，不以华膴婴心，为能得萧闲之趣。

Lot 015

黄宾虹山水

立轴设色纸本 69×30cm

题识：宾虹

印文：黄宾虹

简介：黄宾虹（1865年1月27日—1955年3月25日），初名懋质，后改名质，字朴存，号宾虹，别署予向。原籍安徽省徽州歙县，生于浙江省金华市。中国近现代国画家，擅画山水，山水画一代宗师。也是书法家，与白蕉、高二适、李志敏合称“20世纪文人书法四大家”。曾任中国艺术专科学校校长，中国美术家协会理事。被称为“中国人民优秀的画家” 。

浑厚华滋，郁勃苍茫

中国山水画经历了千年的发展和变化历程。而黄宾虹是中国近代美术史上最后一位古典的现代山水画家，他是传统的总结和延续，又开启一代新风格、新面貌，将中国文人画推向了一个新高峰，成为一代宗师。由画法之变，到风格的形成，他提出了“内美静中参”的绘画思想。在千年的传统绘画的影响下，对西画的取舍，对传统的延承与变革的问题上他都有自己的主张。由于色彩、光影、构成、图式、肌理效果等大量现代造型因素的介入。笔墨语言被忽视了，山水画中的“笔精墨妙”的价值，势必会影响山水画中笔墨语言“内美”的发展。笔墨是中国画语言的承载者的地位则会动摇。黄宾虹站在艺术的高度，用“金石学”、“五笔七墨”的书学原理，展示了笔墨是山水画的精华。用“浑厚华滋的民族性”，谱写了历史的辉章，展现了中国山水画独有的人文价值和美学价值。黄宾虹一生遍游祖国的名山大川，他九上黄山、五游九华、四登泰岳、登峨眉、游青城、走四川、历长江三峡、登巫山十二峰。饱览群山、胸有成竹注重实地写生，石涛的“搜尽奇峰打草稿”的绘画思想被黄宾虹再次验证。经过一生坎坷的艺术经历，他提出了“不读万卷书，不行万里路，不求修养之高，无以言境界。”也正是由于他胸怀祖国名山大川，渊博的知识，在绘画中总结出了“平、圆、留、重、变”五种笔法和“浓、淡、破、波、积、焦、宿”七墨的书学原理，开创了前无古人的“浑厚华滋”现代审美新境界。

浑厚华滋是黄宾虹山水画的典型审美特征。他的山水画墨深淋漓，重叠不乱，阴阳晦明，层次分明，黑中含白，白中含黑。变幻奇谲，浑厚苍润其笔酣墨饱、丰富多彩的笔墨别有一股摄人心魄的力量，所谓“不似之似，是为真似”“不仅貌似，而尽变化”正可概括他的山水画语言形态。黄宾虹的绘画是建立在书法基础之上的楼阁，其山水黑、密、厚、重的画风、浑厚华滋的笔墨中，蕴涵着厚德载物的美学取向。

此图有着画家老年时期“黑、密、厚、重”的画风，所画山川层层深厚，气势磅礴，惊世骇俗，这一显著特点，也使中国的山水画上升到一种至高无上的境界。明清以来，画黄山的大家比比皆是，而黄氏所作黄山图迥异于前辈诸家，黄宾虹追求黑密厚重、浑厚华滋，统筹兼顾浓墨、淡墨、破墨、积墨、泼墨、焦墨、宿墨等不同墨法。层层深厚，韵味无穷，丝毫没有凌乱和压抑之感。

黄宾虹常言：“前清道咸金石学盛，绘画成为复兴。”古文字发展至今，黄宾虹以他丰富渊博的金石学与史学修养引入到绘画中，并以此对画道进行正本清源、求新求变。金是指钟、铎、鼎、鬲等铜器；石是指碑碣、墓志、造像等刻石瓦当。通过对金石学的研究，梳理出书法、绘画的流变过程。我国传统绘画强调书画同源、“求画法与书法，借书法与画法”，宾虹尤其如此。他曾提到：“清道咸中金石学盛，绘事由明启祯诸贤上溯北宋，一扫娄东虞山柔靡之习。”此言更加强调了金石学对绘画的重大意义。黄宾虹认为：“上古奇字，书与画合，必先有画，而后有书。上古之画，不可谓非上古之书也。”[从而说明了绘画与书法相辅相成密不可分的关系。由于多年金石学的考究，对书法、绘画的深切认识，笔法变得更加泼磔锋芒、苍厚老辣、刚健婀娜、变化多端。黄宾虹在山水画中弱化和淡化了用色、用墨、用皴，而是凸现了理趣。他对线条追求的是“气韵酣畅”、“浑成一气”。

（原作拍摄）

没有真诚，艺术是搞不好的。

——周春芽

Lot 016

周春芽人物

油画 100×90cm

题识：2012周春芽ZHOUCHUNYA

简介：周春芽，1955年生于重庆人。现居成都，任中国油画学会理事，四川省美术家协会副主席，油画艺术委员会主任，成都美术家协会副主席，成都画院副院长。

力与美的桃源交响，诗情与真我的进击

大写意表现主义画风：从画面上看，周春芽似乎对文学叙述和情节不感兴趣，而对色彩和造型很敏感。“绘画性的痕迹”试图超越物像本身，如文人写意画，有宋代山水和草书笔法的迹象。他充分发挥油画语言的速度感和覆盖性，具有一种强烈的视觉爆发力。

从学术上看，周春芽用个性和传统资源一直在解构。解除了西方早期现代主义的语言规范，也消解了传统国画的表现秩序，体现出当代绘画的价值。他延续了中国几代画家新的传统——探索“油画民族化”。

从精神上看，周春芽说：“我不同意中国水墨画走向没落的说法，也不同意笔墨等于零的观点。水墨画的笔墨凝聚了中国传统文化的精髓，正是西方文化要借鉴的，西方画家早就注意到中国水墨画的独特魅力，从中汲取营养并追求水墨情趣。中国水墨很有东方味道，梵高就对源自中国的日本画颇有研究，这与传统艺术潜移默化的影响分不开。”他自觉而系统地借鉴传统水墨画的特长，作品有水墨韵味和笔墨精神。

总体来看：周春芽将截然不同的新表现主义手法、中国传统的笔墨意趣和水墨观念融入作品，构成、笔触、色彩、肌理及画面主题完美结合，是他个体情感的真实体验。是西方表现主义和传统国画多元对应的和谐，既是中西文化不同空间的对比与交融，又是传统与当代艺术时间跨度的矛盾统一。周春芽通过对传统国画的山水、石头和花卉的宣泄表达，发展出一种介于水墨大写意、新表现和抽象之间的油画，这些艺术图像和符号是被融入，又被激活，并非简单的拼凑和叠加，浪漫而富有人文乡村的抒怀，画风主观而完整，初步自成一种新的覆盖谱系，重获意义的辉煌。

（原作拍摄）

松山瀑布挂银帘，坐看水云观大千。

薄雾寒烟雷耳畔，行空雁阵欲南迁。

Lot 017

溥儒山水

立轴水墨纸本 107×39cm

题识：心畬

印文：溥儒

简介：爱新觉罗·溥儒（1896年9月2日—1963年11月18日）初字仲衡，改字心畬，自号羲皇上人、西山逸士，北京人，著名书画家、收藏家。为清恭亲王奕訢之孙。曾留学德国，笃嗜诗文、书画，皆有成就。画工山水、兼擅人物、花卉及书法，与张大千有“南张北溥”之誉，又与吴湖帆并称“南吴北溥”。

线条独特，雄古浑厚

溥心畬的画风并无师承，全由拟悟古人法书名画以及书香诗文蕴育而成，加以他出身皇室，因此大内许多珍藏，自然多有观摹体悟的机会。他曾经收藏一件明代早期佚名画家的山水手卷，细丽雅健，风神俊朗，俱是北宗家法，一种大气清新的感觉满布画面，溥氏的笔法几全由此卷来。

因此其所作山水远追宋人刘李马夏，近则取法明四家的唐寅，用笔挺健劲秀，真所谓铁划银钩，将北宗这一路刚劲的笔法──斧劈皴的表现特质阐发无馀，并兼有一种秀丽典雅的风格，再现了古人的画意精神。

观察溥心畬的作品时，在画面上的任何一个部位，无论在表现的技法、形式、以及意念上，那种文人心灵、鱼樵耕读与神趣世界的向往，还有远承宋人体察万物生意，与自然亲和的宇宙观及文化观，皆可谓完全谨守传统中国文人精神本位。

农业社会的文化结构，而拒绝了与现代世界，工业社会之文明结构﹞沟通的可能。然而他的书画作品却并未落于古典形式的僵化，而有其生命内涵的真实与精采，只因他的世界本来如此。

溥心畬行草学二王、米芾，飘洒畅酣，他主张树立骨力，强调书小字必先习大字，心经笔法，意存体势，如此书法方能刚健遒美，秀逸有致。其小楷作品金刚经用笔意境高古，气韵生动，堪称绝妙。溥心畬不仅书画好，且从小即通诗词及典籍，晚年常对弟子说，称他画家，不如称他为书家，称他为书家，不如称他为诗人，可见他对自己诗心的看重。

（原作拍摄）

亭亭山上松，瑟瑟谷中风。

风声一何盛，松枝一何劲！

冰霜正惨凄，终岁常端正。

岂不罹凝寒？松柏有本性。

Lot 018

吴湖帆华顶松风

立轴设色纸本 94×34cm

题识：庚辰秋日倩庵吴湖帆

钤印：吴湖帆倩庵

简介：吴湖帆（1894年7月2日—1968年8月11日)，江苏苏州人，为吴大澄嗣孙。初名翼燕，字遹骏，后更名万，字东庄，又名倩，别署丑簃，号倩庵，书画署名湖帆。三四十年代与吴待秋、吴子深、冯超然并称为“三吴一冯”。曾任上海中国画院筹备委员、画师，上海大学美术学院副教授，中国美术家协会上海分会副主席、上海市文史馆馆员、上海市文物保管委员会委员。

锦绣奇峰，秋岭横云

吴湖帆工山水，亦擅松、竹、芙蕖。初从清初“四王”入手，继对明末董其昌下过一番工夫，后深受宋代董源，巨然、郭熙等大家影响，画风不变，然骨法用笔，渐趋凝重。

他擅画山水，亦擅绘花卉，兼工书法。其山水以雅腴灵秀、缜丽清逸的复合画风独树一帜，尤以融水墨烘染与青绿设色于一体并多烟云者最具代表性。张大千曾将他誉为“民国画坛第一人”。

吴湖帆以其雅腴灵秀、清韵缜丽的画风自开面目，称誉画坛。他的青绿山水画，设色堪称一绝，不但清而厚，而且色彩极为丰富，其线条飘逸洒脱，正所谓含刚健于婀娜之中。吴湖帆在创作山水画时，将色彩与立意、构图、运笔等有机结合，形成完整的体现，表现出色彩与其他元素的高度和谐，达到清新雅致、笔墨滋润、色墨交融的艺术境界。因此，吴湖帆以其在山水画色彩表现和处理上的心得与技法，成为二十世纪最为成功的大家之一。

吴湖帆的松树与赵孟俯的双松平远一画中的松树颇有异曲同工之妙。中景画一巨岩，岩下多碎石，岩上密林茂盛。巨石之疏与碎石之密恰到好处的将画面的虚实布局安排得十分妥帖。不论大小山石吴湖帆均用披麻，解锁皴写出，笔力遒劲又不失潇洒，风雅。这全仰仗于其多年来鉴赏收藏书画的眼力与勤于练笔的功力。

一代宗师吴湖帆，会书法、善画画，亦擅于鉴藏，既由赤子走向辉煌，亦从巅峰坠落谷底。因此有人评论，他最好的时代应是在民国，以家族基业为本，江南文化为基，广结朋友雅集，传授入门弟子，活在属于自己的宁静的“文人后花园”。

（原作拍摄）

牧童放牧好悠然，独坐观驴回眼偏。

草地春风催物兴，身心息事福丰天。

Lot 019

黄胄牧驴图

立轴设色纸本 68×44cm

题识：黄胄

印文：黄胄之印

简介：黄胄（1925年3月—1997年4月2日）中国画艺术大师，社会活动家，收藏家。中国第一座大型民办艺术馆——炎黄艺术馆缔造者；中国画研究院、中国工艺美术馆筹建者；黄胄独创性地将速写融入中国画，开启了全新的人物画笔墨范式，拓展了中国画艺术语言。

用笔需毛，毛则气古神清

黄胄通过长期观察写生，积累了大量毛驴的速写素材，使其笔下的驴形态各异、栩栩如生。例如《五驴图》中，五头驴或低头吃草、或打滚撒欢、或安静伫立，姿态自然生动，骨骼结构与肌肉质感通过虚实相生的笔法得以强化，水墨渲染的皮毛层次分明，局部枯笔飞白更添灵动感。

黄胄将传统中国画的线性表现与西方绘画的构图观念、民间年画的色彩感相结合，创造出独特的“黄胄风格”。他以粗细变化的线描勾勒驴体轮廓，浓淡相宜的水墨呈现体积感，同时融入速写线条的书写性，使画面既具传统功底，又富现代气息。

黄胄选择毛驴这一被视为“低贱”的农家劳动力作为创作母题，赋予其情感与个性。他笔下的驴不再是被驱使的工具，而是有尊严、有故事的生命体。

黄胄曾说：“驴虽不及牛马高贵，却能经风雨耐霜雪，忍辱负重地辛劳终生。”这种精神与中国人民默默耕耘、任劳任怨的品格高度契合。他的驴画因此被视为对民族精神的讴歌，如《百驴图》中驴群或亲昵、或玩耍、或行走起卧，象征着集体力量与生命活力。

黄胄的驴画证明了艺术无需依赖宏大叙事，平凡题材亦可承载深刻内涵。他强调“带着感情画画”，这种对生命的尊重与热爱，至今仍激励着无数艺术家。

(原作拍摄）

花开红树乱莺啼，草长平湖白鹭飞。

风日晴和人意好，夕阳箫鼓几船归。

Lot 020

关良捉放曹图

立轴设色纸本 112×33cm

题识：己未冬月写捉放曹宿店一段番禺关良

印文：关良

简介：关良（1900年12月30日—1986年11月28日），字良公，广东广州府番禺县人，中国画大师。历任浙江美术学院教授、中国美术家协会理事、中国美术家协会上海分会副主席、上海中国画院画师等职。关良是中国近现代画坛风格独特的艺术大家与艺术教育家。他是最早将西方现代派的绘画理念引入传统水墨画的画家，其水墨戏剧人物画独树一帜，影响也最大。

简括传神，生动有趣

“ 学画要进得去，又要出得来，对于学到的东西要加以消化，逐步变成为自己的东西，形成自己画风的一个有机组成部分。学的东西很丰富，但又不易看出原来的痕迹，便能够创造自己的风格。”

——关良

有人说，近现代画有三座很难超越的大山，一是齐白石的花鸟，一是黄宾虹的山水，还有一个就是关良的人物。关良是200世纪中国画大师，也是中国戏剧绘画的鼻祖，他一生致力于艺术教育事业。是中国近现代画坛中最早将西方现代派绘画理念引入中国传统的水墨画之中，创造出别具一格的戏剧人物画家，在国内外享有很高的声誉。

关良早年留学日本学习绘画，回国后在上海从事美术教育工作。他的绘画可以分为两大部分：油画、水彩、素描和水墨画。

前者题材多样，后者则以戏曲人物为主。建国后他的彩墨戏剧人物画独树一帜，风格独特，影响最大。关良欣赏京剧艺术，并拜师学戏，因而谙熟戏曲的剧情、人物造型、身段，故其笔下所出极其简练传神。

关良的人物、风景，不论国画、油画，气韵生动，全是中国派头，传导的是中国人的感情趣味，举重若轻；篇幅虽小，内容宏大，从容不迫。

Lot 021

朱屺瞻水仙花

立轴设色纸本 49×49cm

题识：屺瞻

印文：朱屺瞻屺瞻

简介：朱屺瞻（1892年5月27日—1996年4月20日），1892年生，八岁起临摹古画，中年时期两次东渡日本学习油画，生前曾任中国美术家协会顾问、中国书法家协会理事、上海美术家协会常务理事、上海中国画院画师、上海师范大学艺术系教授等职。

人淡墨浓过一生

朱屺瞻在花鸟画创作中，运笔倾情，气以脚发，笔墨雄劲老辣，气势磅礴。他有时先涂大块色，再勾线条，有时先勾线条，后加色块，有时混合使用各种技巧，灵活多变，不拘一法。他主张作画须有笔墨，笔墨须取大方，有大家气。朱屺瞻的自绳之道是拙朴为佳，切戒浮滑。朱屺瞻的水仙花作品以雄劲老辣的笔墨、高雅清新的意境著称，其作品融合中西技法，展现出独特的艺术魅力。朱屺瞻的水仙画常以浓墨、焦墨和重色为主，下笔酣畅淋漓，叶片线条刚劲有力，花茎向上挺拔，整体呈现出蓬勃的生命力。他擅长将山水画的技法融入花鸟画，使水仙既有传统文人画的高雅气质，又具现代绘画的视觉冲击力。布局须深厚，有变化，立意须高，有意境。朱屺瞻的作品继承传统，融会中西，致力创新，笔墨雄劲，气势磅礴，具有鲜明的民族特色和个人风格。他的作品不仅融合了中西绘画的精髓，还展现了独特的创新精神和个人风格。

Lot 022

张仃高山仰止

立轴水墨纸本 138×69cm

题识：辽西它山张仃于燕京西郊元塔院中并记

印文：它山张仃

简介：张仃（1917年5月19日—2010年2月21日），号它山，辽宁黑山人；中国当代著名国画家、漫画家、壁画家、书法家、工艺美术家、美术教育家、美术理论家；曾担任中国文联委员、中国美术家协会常务理事、中国美术家协会全国壁画工作委员会主任委员、中国工艺美术家协会副理事长、中国画研究院院务委员、黄宾虹研究会会长、中央工艺美术学院教授、院长。

笔墨间尽显生命力

张仃的焦墨山水画以其独特的艺术风格和深厚的文化底蕴，在中国画坛上独树一帜。

张仃的焦墨山水画不仅是对传统的尊重和回归，更是在传统基础上进行的反叛和批判。他的作品从古人的远离人间烟火、远离大自然，转变为亲近大自然、切近生活，展现了一种形而上的淡泊意境，同时又具有形而下的具体性，总体感觉高雅淡泊。

他的画作在北方山水中找出了山的生气和灵气，解决了从写生、速写到创作的问题，是完整的再创作。张仃的焦墨山水创造具有很高的美学品格，充满力度和乐观，有些画作读来如入音乐之境，使感情得到抚慰和升华。

他的画作刚柔互衬，干湿相生，燥中含润，充分发挥焦墨的效能、特色，表现了雄秀苍郁、浑厚博大的河山气势。无论是山峦、岩石还是树丛、瀑布等元素，张仃都有自己独特的表现方法，创造了鲜明的独特风格。

张仃的艺术生涯跨越了多个领域，包括漫画、壁画、邮票设计、年画、宣传画等。他的创作多以焦墨作山水，倚重传统笔法，吸取民间艺术养分，笔力遒强，构图豪放，画面空灵而有笔触，苍健却显腴润，内涵沉雄，风格朴拙而雄强，别树一帜。焦墨在中国画领域曲高和寡，但张仃坚持用这局限性极大的墨法创作山水，并将其发展成一套完备的艺术语言，开创了中国山水画的崭新风格。

张仃被誉为中国20世纪的大美术家和美术“立交桥”，他的艺术生涯跨越了多个领域，从设计到绘画，都展现了他对艺术的热爱和追求。他的焦墨山水画不仅是对传统的继承和发展，更是对现代艺术的创新和贡献。

(原作拍摄）

山木暮苍苍,风凄茅叶黄。

有虎始离穴,熊罴安敢当。

掉尾为旗纛,磨牙为剑鋩。

猛气吞赤豹,雄威蹑封狼。

Lot 023

高奇峰猛虎下山

立轴设色纸本 100×50cm

题识：奇峰高翁

印文：奇峰高翁

简介：高奇峰（1889年—1933年），晚清画家，名嵡，字奇峰，以字行，广东广州府番禺县（今广州）人。与兄高剑父、陈树人画脉相连，画技相高，有“二高一陈”、“岭南三杰”、“岭南画派”创始人之一等盛誉。

一笔融中西，百年写传奇

高奇峰将传统笔墨与日本画技法融合，开创“撞水撞粉”法，以色水、色粉替代清水白粉，使虎身皮毛呈现斑斓光泽与立体感。其画虎多用兼工带写之法，既以刚劲线条勾勒骨骼，又以齐整细笔描绘虎须、利爪等细节，甚至用“梳理”笔法表现颈毛蓬松质感。如《猛虎图》中，虎尾如钢鞭的笔触与背景山石的斧劈皴形成粗细、虚实对比，强化画面张力。高奇峰笔下之虎常被赋予拟人化情感，其题诗“莽莽风云，乾坤独啸。崛起山林，英雄写照”直指虎为英雄化身。在《虎啸风生》中，他刻意刻画瘦虎却双目有神、四肢有力的形象，暗讽时局动荡中“人穷志不穷”的民族气节。其虎画常与《怒狮》等作品并置，借猛兽之威隐喻改革力量，呼应孙中山“航空救国”理念，使动物画成为时代精神的视觉载体。高奇峰早期画虎追求逼真形体与动态捕捉，如《1915年猛虎图》中匍匐山石、怒目圆睁的虎姿尽显草莽雄风。晚年受佛性禅心影响，笔触转向逸笔写意，以《虎踞》中伏卧虎为例，眼神柔和如求宠之猫，借虎喻人，反思艺术界沉寂现状。这种风格嬗变既体现个人艺术修养的深化，亦反映岭南画派从“折衷中西”向“精神内化”的转型。高奇峰画虎对后世影响深远。其学生赵少昂、欧豪年延续“折衷”花鸟画传统，将技法拓展至山水领域；何漆园则在山水画中践行“融会古今”理念。当代画家如刘继卣继承其写实传统，通过骨骼肌理、皮毛斑纹的精准描绘强化虎的王者风范；汤文选则发展其拟人化手法，以水墨表现虎的亲情与善意，使传统题材焕发人文关怀。

(原作拍摄）

庭前芍药妖无格，池上芙蕖净少情。

唯有牡丹真国色，花开时节动京城。

Lot 024

邓芬花卉

立轴设色纸本 70×27cm

题识：邓芬绘

印文：邓芬

简介：邓芬（1894-1964），字诵先，号昙殊，广东南海人，是二十世纪粤、港、澳画坛重要代表人物。他早年师承董一夔、张泽农，擅长花卉、人物及鸟雀画，尤以“三笔成雀”技法闻名。其创作继承宋明传统，人物画线条精妙流畅，曾与张大千、齐白石、黄宾虹等并称“画中九友” 。作为广东国画研究会成员，邓芬还被黄宾虹誉为“南海丹青”。

笔墨精准造型生动

邓芬作为画坛“鬼才”，诗、书、画、曲无所不能，其艺术风格对后世影响深远。他虽未以牡丹题材直接闻名，但作为张韶石的师父，对张韶石的绘画技巧与创作题材拓展起到了关键作用。张韶石在临摹邓芬作品的过程中，不仅掌握了精湛的绘画技艺，更在艺术风格上深受其影响，这种影响也间接体现在张韶石对牡丹题材的创作中。

张韶石作为邓芬的得意弟子，以绘牡丹著称于世，素享“牡丹王”美誉。他的牡丹画作设色妍雅富丽，笔触流丽柔畅，将牡丹的雍容华贵、高贵气节展现得淋漓尽致。

在创作手法上，张韶石采用了多种不同的技法来表达牡丹的特质和寓意，如在深蓝笺纸上以真金磨粉绘画的牡丹，凸现了雍容的王者气派；而金笺纸上的宫粉牡丹图，则让人领略出当中隐喻的富贵吉祥和金玉满堂。这些作品不仅展现了张韶石高超的绘画技艺，更体现了他对牡丹题材的深刻理解和独特审美。

从张韶石的牡丹画作中，可以间接窥见邓芬艺术风格的影响。张韶石在绘画技巧上得到了邓芬的指点，这使得他的画作在笔触、设色等方面都展现出高超的水准。同时，邓芬对艺术创新的追求也激励着张韶石在牡丹题材的创作中不断探索新的手法和表现形式。

Lot 025

亚明梦笔生花

立轴设色纸本 69×45cm

题识：近水山庄亚明

钤印：亚明

简介：亚明（1924年—2002年），安徽合肥人。原姓叶，名家炳，号敬植，后改名亚明。历任无锡市美协主席，江苏省美术工作室主任，华东美协理事，江苏省国画院副院长，中国美协江苏分会主席，中国美协常务理事，香港《文汇报》中国画版主编，南京大学艺术研究中心教授。

墨润烟雨色浸溪山

亚明老师笔下的人物画同样出色，画中人物形象生动，人物的动作、神态刻画细致入微。农民脸上洋溢着质朴笑容，充满对生活的热爱。

亚明老师的绘画还注重意境营造。他的画不只是景物描绘，更是在讲述故事、传递情感。赏他的画，如同与他对话，能体会到他对生活的热爱、对自然的敬畏。画中常有留白之处，这并非随意为之，而是一种艺术手法，给人留下想象空间，让人按自己的理解去感受画中意境。

在艺术风格上，亚明老师大胆创新，不囿于传统。他巧妙结合传统绘画技法与现代元素，形成独特风格。他的画，既有传统国画韵味，又具现代艺术活力，令人眼前一亮。

亚明先生在国画创作中追求简练、明快、老辣、概括的艺术风格。他主张国画创新要具有时代特征，表现新的感情和审美需求，同时要与自己的艺术个性相结合。他的画作以山水画和人物画为主，尤其擅长将山水与人物融为一体，形成情景交融的意境。

亚明先生的国画作品具有较高的艺术价值和文化内涵。他的作品不仅展示了中国传统文化的精髓，也反映了当代社会的精神面貌。他的画作不仅在国内外艺术界受到广泛认可和赞誉，也对中国画坛的发展产生了重要影响。

总之，亚明先生的国画作品具有独特的艺术风格和较高的艺术价值。他的作品不仅深入生活、反映时代，也展示了中国传统文化的精髓和当代社会的精神面貌。他的画作不仅在国内外艺术界受到广泛认可和赞誉，也为中国画坛的发展产生了重要影响。

（原作拍摄）

只有我看到了那颗彗星

——何多苓

Lot 026

何多苓花卉

油画 40×30cm

题识：He Duoling 92

简介：何多苓，1948年5月生于中国四川成都，中国当代抒情现实主义油画画家的代表，“伤痕美术”代表人物。1982年毕业于四川美术学院研究生班，现居成都，成都美术学院油画系教授、硕士研究生导师。

落笔之处充满生命活力

何多苓的艺术具诗意的特质，重绘画性，唯美、优雅、感伤，他追求的是无拘无束的自由度。他的艺术造型功底坚实而全面，落笔之处，人物、景象充满生命活力。

他在形式语言上所推崇的单纯感与中国传统水墨画具有异曲同工之妙，在洗练中见细致，于单纯中现复杂，表现出一种超然的精神境界和深层次的艺术追求。

伤痕美术”的代表人物之一。何多苓的艺术具诗意的特质，追求的是无拘无束的自由度，落笔之处，人物、景象充满生命活力，在洗练中见细致，于单纯中现复杂，表现出一种超然的精神境界，和深层次的艺术追求。

何多苓的作品是抒情的，但又是哀伤的，他的绘画形式语言也与四川其它画家不同。作为油画家，造型功力坚实而全面，人物、景象在他笔下显得很有生命。他在形式语言上所达到的单纯感与中国传统的水墨画有相通之处，画面整体的单纯感，表现出一种较为超越的精神境界和艺术理想。他在单纯中求细致和复杂的手法也是得之于中国传统艺术之启发。

Lot 027

陶一清云容薄更深依山片雨临

立轴设色纸本 66×42cm

题识：辛酉岁首陶一清写意

钤印：一清印信

简介：陶一清（1914年1月 —1986年6月）斋号补斋，擅长山水画，中国美术家协会会员，中国画研究会副会长，国画艺术家，教授。原名文通，原籍上海市。

远观其势，近收其致

陶一清将北宗山水的刚劲笔触与南宗山水的柔美渲染相结合，形成了独特的艺术风格。他的笔墨既有纤秀细腻之处，描绘江南水乡的温婉柔情；又有泼辣豪放之笔，勾勒北方山脉的雄浑粗犷。这种南北融合的技法，使他的作品既具北方的雄浑，又有南方的温婉，充满了变化与活力。

陶一清的山水画作品以“远观其势，近收其致”著称。远看气势磅礴，山川巍峨耸立，云雾缭绕其间；近观则细节精致入微，树木的枝叶、山石的纹理皆栩栩如生。他的作品充满了天然的灵气，令人赏心悦目，仿佛将观者带入一个宏大而神秘的山水世界。

陶一清在继承传统的基础上，勇于打破传统的束缚，探索新的表现形式和艺术语言。他借鉴西洋画的优点，在光影、构图等方面进行探索，为传统山水画注入新的活力。例如，他在青绿设色方面大胆创新，突破传统青绿山水的固有模式，使画面色彩既鲜艳夺目，又不失典雅古朴。

陶一清的山水画作品总能够捕捉到自然景色最动人的瞬间。他擅长使用简练的笔触描绘出复杂的自然景观，让观者仿佛置身于真实的自然之中。这种深厚的写实功底来自于他对自然的细致观察和深刻理解。同时，他能够在作品中融入自己的情感和思想，使得每一幅画作都充满了灵韵和意境。

Lot 028

郭味蕖烂漫春风

立轴设色纸本 95×44cm

题识：一九六二年二月味蕖

钤印：郭味蕖印

简介：郭味蕖（1908年2月15日-1971年12月21日）是当代杰出的画家、美术教育家和美术史论家，以花鸟画创新和学术研究著称，被誉为学者型画家。

色墨辉映，推陈出新

郭味蕖的花鸟画作品立意清新独特，色彩鲜艳明丽，构图质朴新颖，具有强烈的时代气息。他的作品不仅描绘了自然的美景，还融入了深厚的情感和对劳动生活的热爱。他的花鸟画常常以锄头、扫帚及竹篓等劳动工具入画，展现了新时代现实主义美学精神。郭味蕖是一位有着浓郁生活情趣的艺术家，他发现百姓日用之物的美，并且用花鸟画描绘，把这些俗不可耐的、与日常民生相关联的家什展现在画面上，不但没有给人以粗鄙丑陋之感，反而独具一种纯朴之美。郭味蕖是二十世纪最具代表性的花鸟画大家，同时又是著名的美术史论家。他毕生以画道为乐，虽在收获之时不幸遭受暴风雨的摧折，但却取得秋成。虽然过早辞世，但其品格和业迹已为专家和广大群众所称道。他是从传统中创新的杰出典范，是从生活到创作的杰出典范，也是绘画与书法结合的优秀典范。他的学术研究，包括中国美术史、金石考古、书画鉴赏、历代书画家研究、中国版画史、民间年画、中国古代建筑与雕刻、花鸟画史、花鸟画创作技法理论，以及文学、诗词、书法等诸多方面。郭味蕖在艺术创作中融合了传统与现代，他的花鸟画作品既有民族特色又有时代精神。他的代表作如《归兴》《银锄》《秋熟》等，通过描绘劳动工具和野卉蔬果，展现了生活气息与劳动之美，构成了时代视觉的新隐喻与新精神。他的作品技法工写结合，中西结合，山水与花鸟融合，堪称大家。郭味蕖在美术教育上也提出了“临摹、写生、创作三位一体”的理念，至今仍对美术教育有着深远的影响。他的学术研究涵盖了中国美术史、金石考古、书画鉴赏等多个领域，著有《宋元明清书画家年表》等重要著作。

（原作拍摄）绘画不是表现能力的问题，而是表现认识的问题。

——毛焰

Lot 029

毛焰人物

油画 60×70cm

题识：My2006

简介：毛焰1968年出生于湖南湘潭的一个绘画世家，自幼学画，十几岁时就掌握了极其娴熟的技法。1991年，他从中央美术学院油画系毕业后，任教于南京艺术学院，并开始深入研究肖像绘画。在南京艺术学院任教期间，毛焰以朋友为原型进行观念性肖像画创作，逐渐形成了自己独特的艺术风格。毛焰是中国当代最具影响力的艺术家之一，以其观念性肖像绘画而广受赞誉，其作品以细腻技巧、深刻精神探索和独特艺术语言著称。

在虚无的褶皱中，捕捉存在的暗涌

毛焰的油画以近乎极致的写实技巧著称，他对笔触、光影和质感的把握炉火纯青。通过细腻入微的刻画，人物肌肤的纹理、发丝的飘逸、衣物的褶皱，都被赋予真实可触的质感，如《托马斯系列》，他用层层叠加的薄涂技法，让画面呈现出丰富的层次和微妙的色调变化，这种精湛的写实并非对现实的机械复制，而是融入了艺术家对对象的深刻观察与理解。

他的作品构图常常打破常规，人物在画面中的位置、动态和比例安排，营造出一种特殊的视觉张力和心理氛围。色调上，毛焰偏爱使用冷灰调，这种低饱和度的色彩选择，为画面注入了冷静、孤寂、内敛的气质，构建出独特的美学空间。

在描绘人物时，毛焰剥离了具体的社会身份和背景，聚焦于人性的本质。人物形象既带有个人特征，又具有普遍的象征意义，启发人们对生命、存在、自我认知等问题进行思考，使作品超越了单纯的视觉审美，具备思想深度。

在当代艺术多元化、观念化的潮流中，毛焰坚守具象绘画领域，以独特的艺术语言和深刻的精神表达，确立了自己的艺术地位。他的创作证明了具象绘画在当代语境下依然具有强大的生命力和创造力。

Lot 030

孔小瑜芳馨长新

立轴设色纸本 130×64cm

题识：曲阜孔小瑜写于沪上味青庐

印文：孔小瑜印

简介：孔小瑜（1899年—1984年），原名宪英，生于慈溪庄桥孔家村。初在沪上活动，后赴香港，1951年毅然北返，参加内地建设；1955年后，应邀赴安徽艺术学校执教，兼任安徽画院副院长，并被选为安徽省人大代表。晚年任职安徽艺术学校教授，安徽画院副院长。

用画笔诠释花卉与古董的神韵

孔小瑜擅长花卉博古，追求形象逼真，笔意松动逸格。并刻苦练就了强记默写的本领，从三代青铜器外，广涉人物、翎毛、走兽、鱼虫手到形俱，呼之欲出，无所不精。其博古画与张善孖的虎、熊松泉的狮并称。其出众的表现力人称任佰年后第一人，为“海上画派”代表之一。

当然这种用默忆强记作画的方法是有很大的天生成分在内的，但后天的勤奋观察锻炼也很重要的，所以小瑜先生常说自己青年时观察对象时“看人务得其神，看山重取其势，看花妙掇其姿”，这些话是他作画的秘诀之谈，是十分宝贵的。

小瑜先生就是靠这种方法发挥出自己具有默忆强记的天资才能的以至壮而不辍，老而弥坚，成为他与众不同的创作特点。

因此他的画能自成一家之体，不以奇取胜，而以平淡见长，做到无论在自己创作或对客挥毫时，都能胸有成竹，从容不迫地画出花鸟、山水、人物等各种事物的天然之趣，取得形神兼备，精彩绝伦的艺术效果。孔小瑜先生的画以画博古题材见长。

（原作拍摄）

月落乌啼霜满天，江枫渔火对愁眠。

姑苏城外寒山寺，夜半钟声到客船。

Lot 031

俞致贞花鸟

立轴设色纸本 80×33cm

题识：丁酉夏月写于北京百花书屋俞致贞并记

钤印：俞致贞

简介：俞致贞（1915年—1995年5月）北京人，字一云，画室名百花书屋，著名花鸟画家。中国美术家协会会员，中国老年书画会顾问，中国书画函授大学教授，北京工笔重彩画会副会长，北京花鸟画会名誉会长。

用画笔诠释花卉与古董的神韵

俞致贞的工笔花鸟画继承了宋元画法并吸收民间艺术的养份，多以翠鸟、蜜蜂、蝴蝶和荷花等为题材，设色淡雅，线条细致婀娜，将花之柔媚、鸟之娇美表现得恰到好处，画风清新自然。作品中的形象自然灵动，布局巧妙而均衡，并且以书入画，线条刚柔并济，颜色不媚不俗、清丽典雅。而这种艺术风貌的形成得益于她绘画理念的指导，能够做到“出新意于法度中”。俞致贞是二十世纪中国工笔花鸟画坛的领军大家之一，被李可染誉为“当代工笔花鸟女状元”。她师从于非闇、张大千两位大师，多年临摹宋元名家真迹，潜心工笔花鸟画创作。她的作品精工富丽，艳而不俗，受宋代宫廷工笔花鸟绘画的影响，并对客观自然进行深入细微的观察，使笔墨有了创造性的革新，具有鲜明的现代感和时代气息。俞致贞经常外出写生，并亲自种植花草，朝夕观察揣摩，因此对于动植物天然生态，以及描绘绘花鸟的形态、动势乃至神采洞察于胸，作品以真实细腻见长，以形传神，形神兼备，崇尚意境和情趣。

Lot 032

吴青霞花港观鱼

镜心设色纸本 33×53cm

题识：己未夏日吴青霞写于海上

印文：青霞

简介：吴青霞（1910年—2008年），学名吴德舒，号龙城女史，别署篆香阁主。江苏常州人。为江南收藏家、鉴赏家吴仲熙先生之女公子。1934年与李秋君、周练霞、陆小曼等组成中国女子书画会。1956年受聘为上海中国画院画师。意大利欧洲学院院士，上海中国画院画师。中国美术家协会会员，美协上海分会理事，中国国际文化交流中心理事，上海市文联委员，意大利欧洲学院院士，杭州西泠印社社员，上海市文史馆馆员。

笔墨流畅，形神兼备

吴青霞被誉为“画鱼女圣手”和“鲤鱼吴”，她的作品不仅在技法上独树一帜，更在情感表达上达到了新的高度。她的鲤鱼作品仿佛拥有了生命，跃然纸上，灵动非凡。吴青霞通过深入观察鲤鱼的形态和习性，捕捉它们的姿态和神韵，使得每一幅画作都不仅仅是形态的再现，更是对生命活力与自然之美的深刻诠释。

在创作过程中，吴青霞对材料的选择也非常讲究。她偏爱使用生宣纸，这种纸张吸水性强，易于产生丰富的墨韵变化，能够更好地表现鲤鱼的灵动身姿和细腻情感。她的画作墨色深浅交织，层次分明，既有中国传统水墨画的意境深远，又不失现代艺术的创新精神。

吴青霞在技法上勇于创新，突破了传统的工笔画鱼手法。她将熟绢改为生宣纸，用笔也突破了工笔画鱼的传统手法。她将鲤鱼进行了适当的变形，鱼身画得肥圆，鱼尾略微拉长放大，以增强鲤鱼在水中游弋的动感，使其显得活泼有力。她还采用了工写结合的方法，先用衣纹笔勾勒头部，确定鱼在画面中的位置，然后用大笔以墨带水点厾鱼身，追求水墨鲜活的效果。

吴青霞的作品不仅在技法上独树一帜，更在情感表达上达到了新的高度。她的画作通过艺术的夸张和巧妙的色彩铺衬，创造了新的艺术美典型。她的鱼作品不仅展现了鱼的形神兼备，还流露出一种欢快、幸福之感，使观者能够感受到“海阔凭鱼跃”的自由与欢畅。

吴青霞，一位在画坛上独树一帜的艺术家，尤为擅长描绘鲤鱼，她的笔下，鲤鱼仿佛拥有了生命，跃然纸上，灵动非凡。她以鱼为师，不仅深入观察鲤鱼的形态习性，更从中汲取灵感，将鱼的姿态、神韵捕捉得淋漓尽致。每一幅画作，都不仅仅是对鲤鱼形态的简单再现，更是对生命活力与自然之美的深刻诠释，因此，她被誉为“鲤鱼吴”，这一雅称不仅是对她画技的认可，更是对她艺术造诣的高度赞扬。

吴青霞擅绘鲤鱼，笔下鲤鱼灵动非凡，被誉为“鲤鱼吴”。她以鱼为师，用生宣纸和水墨表现鲤鱼身姿与情感。画作墨色交织，寓意深刻，融合传统与现代艺术，展现自然之美与生命活力。

（原作拍摄）塑形与破形同构——谢东明

Lot 033

谢东明人物

油画 76×53cm

题识：X.D.Ming2011

简介：谢东明，1956年生，北京人，画家。1984年毕业于北京中央美术学院油画系。1986年开始创作《藏女》系列作品，展出于北京“当代油画展”和“国际艺苑第一回油画展”1989年开始创作《桶》系列作品，展出于1990年在北京举办的“中央美术学院油画系教师作品展”。

强烈的笔触，艳而不俗的色彩

谢东明的油画作品以鲜艳、强烈的色彩和大胆、奔放的笔触著称。他善于运用浓烈的色彩对比和丰富的色彩层次，营造出一种生动、有力的视觉效果。他的笔触既粗犷又细腻，能够准确地捕捉到物体的形态和质感，同时赋予画面以独特的韵律和动感。谢东明的艺术内质是向往一种健康的有强烈阳光的绘画，他的精神追求倾向于质朴与本真。他的作品常常描绘少数民族和偏远地区的农民，以最新鲜的现代人的眼光去表现那些生活在最简单、最纯粹状态下的人们。他通过画面传递出对自然、对生命的敬畏和赞美，以及对人性中最质朴、最本真部分的深入挖掘和表现。谢东明的造型能力很强，他善于运用大笔饱和而纯艳的色彩进行涂抹和塑造，形成一种独特的造型风格。他的构图往往简洁而富有张力，能够巧妙地运用画面空间来引导观众的视线和情感。谢东明的油画作品以其独特的艺术风格、深厚的艺术功底和显著的艺术成就而备受瞩目。他的作品不仅展现了人性的质朴与本真，也推动了油画技法在中国的发展，并为中国艺术市场注入了新的活力。