墨染千峰云气动 笔扫万壑松风生——中国近现代书画专场

名单

吴昌硕（1844年—1927年）

黄宾虹（1865年—1955年）

陆俨少（1909年—1993年）

徐邦达（1911年—2012年）

吴作人（1908年—1997年）

太虚法师（1890年—1947年）

陈大羽（1912年—2001年）

蒲华（1832年—1911年）

董寿平（1904年—1997年）

胡也佛（1908年—1980年）

周思聪（1939年—1996年）

冯超然（1882年—1954年）

黎雄才（1910年—2001年）

吴湖帆（1894年—1968年)

江寒汀（1903年—1963年）

常书鸿（1904年—1994年）

范迪安（1955年—）

齐良迟（1921年—2003年）

艾轩（1947年—）

冷军（1963年—）

朱乃正（1935年—2013年）

张桂铭（1939年—）

石虎(1942年—2023年)

戴泽（1922年—2023年）

作 品 欣 赏

（原作拍摄）

青鸟衔葡萄，飞上金井栏。

美人恐惊去，不敢卷帘看。

Lot 001

吴昌硕 葡萄

立轴 设色纸本 91×47cm

题识：辛酉三月安吉吴昌硕年七十又八

印文：缶道人

简介：吴昌硕（1844年8月1日—1927年11月29日），初名俊，又名俊卿，字昌硕，又署仓石、苍石，多别号，常见者有仓硕、老苍、老缶、苦铁、大聋、缶道人、石尊者等。浙江省孝丰县鄣吴村（今湖州市安吉县）人。晚清民国时期著名国画家、书法家、篆刻家，“后海派”代表，杭州西泠印社首任社长，与厉良玉、赵之谦并称“新浙派”的三位代表人物，与任伯年、蒲华、虚谷合称为“清末海派四大家”。

笔墨灵动，酣畅淋漓

吴昌硕画葡萄，以篆籀笔法入画，线条圆润而富有弹性，笔力老辣，气势雄强。他善于运用浓墨与淡墨的对比，营造出葡萄藤蔓的苍劲质感与叶片的层次感。在葡萄的描绘上，他注重形似与神似的结合，以简练的笔触勾勒出葡萄的形态，再以淡墨或色彩点染，使葡萄呈现出晶莹剔透、饱满欲滴的质感。这种笔墨特征，既体现了吴昌硕深厚的书法功底，又展现了他对绘画艺术的独特理解。

吴昌硕《葡萄》局部图

他画的葡萄，构图新颖，常采用对角取势的布局方式，使画面呈现出一种动态的平衡感。他善于运用留白与实物的对比，营造出虚实相生的艺术效果。在葡萄藤蔓的描绘上，他运用迂回、欹斜的笔势，使藤蔓仿佛在空中舞动，增强了画面的动感与气势。同时，他注重画面的整体感与和谐性，使葡萄、藤蔓、叶片等元素相互映衬，共同构成一幅生动的画面。

吴昌硕《葡萄》局部图

色彩运用大胆而别开生面。他善于运用浓丽对比的颜色，如用浓墨描绘藤蔓与叶片，用淡墨或色彩点染葡萄，形成鲜明的对比效果。同时，他注重色彩的古朴感与明快感，使画面既具有传统的文人画气息，又不失现代艺术的活力。在晚年作品中，他更善用西洋红等鲜艳色彩，为画面增添了一抹亮丽的色彩。

吴昌硕《葡萄》题跋局部图

吴昌硕的葡萄，以其独特的艺术风格和深厚的文化内涵，对近现代中国画坛产生了深远影响。他开创了“金石画风”，将书法、篆刻的行笔、运刀及章法、体势融入绘画，形成了独步画坛的艺术风格。他的葡萄画作品，不仅在国内风行一时，更对日本画坛产生了重要影响。众多现代绘画大师如齐白石、黄宾虹、潘天寿等，都曾受到吴昌硕艺术风格的影响与启发。

（原作拍摄）

今闻东楚人，结网为书圃。

池墨泼飞云，紫毫挥广宇。

Lot 002

吴昌硕 书法

立轴 水墨纸本 201×49cm

题识：丙寅年十二月吴昌硕年八十三

印文：吴俊卿印

简介：吴昌硕（1844年8月1日—1927年11月29日），初名俊，又名俊卿，字昌硕，又署仓石、苍石，多别号，常见者有仓硕、老苍、老缶、苦铁、大聋、缶道人、石尊者等。浙江省孝丰县鄣吴村（今湖州市安吉县）人。晚清民国时期著名国画家、书法家、篆刻家，“后海派”代表，杭州西泠印社首任社长，与厉良玉、赵之谦并称“新浙派”的三位代表人物，与任伯年、蒲华、虚谷合称为“清末海派四大家”。

石鼓文与大写意

吴昌硕是近代中国最杰出的艺坛巨匠之一，他以诗、书、画、印四绝享誉海内外，对于近百年来中国传统书画篆刻艺术的走向影响深远。吴昌硕以临写石鼓文称誉于世，石鼓文的风格原本属于比较工稳端正一路，而吴昌硕的石鼓文却写出了一种流动感，更以遒劲老辣、笔墨厚重为其主要特征。

吴昌硕的楷书从临摹颜鲁公入手，后又学习曹魏时期钟繇的小楷，自称学“钟太傅”有20余年。清代后期的书风崇尚碑学，受此影响，吴昌硕遍临汉魏碑帖，将碑体风格糅入钟繇体之后，他的楷书更显古朴刚劲，为其书法巅峰期的到来打下坚实基础。

吴昌硕也很重视隶书学习，青壮年时在外游学，临习了大量的汉碑拓片，如《嵩山石刻》《张公方碑》《张迁碑》《石门颂》等，自述“曾读百汉碑”，说明吴昌硕对汉隶有着浓厚兴趣和深入研究。在传世书法作品中，吴昌硕的隶书早期以“齐云馆印谱”为代表；中年以后的隶书笔力雄浑饱满、刚柔并济；到了晚年，吴昌硕所写隶书结体已变长，取纵势，信笔拈来，高古之至。

吴昌硕的行草书最初临习与董其昌齐名的明末书法家—王铎，王铎的雄健书风对他影响颇大，后来又学习唐宋名家欧阳询、黄庭坚、米芾等人。在章法行气上，吴昌硕注重字与字之间的连属关系，字体结构上多左低右高、中宫收紧、四肢辐辏。晚年后在草书创作上，吴昌硕以篆隶笔法入草书，即他所说“强抱篆隶作狂草”，其草书越发苍劲雄浑。

吴昌硕尤其擅长篆书，又以石鼓文造诣最为精深。他写石鼓文近60年，可谓形神兼备，形成格调高古、独具特色的个人书风，堪称“石鼓篆书第一人”。

（原作拍摄）

春江潮水连海平，海上明月共潮生。

滟滟随波千万里，何处春江无月明！

江流宛转绕芳甸，月照花林皆似霰；

空里流霜不觉飞，汀上白沙看不见。

Lot 003

黄宾虹 山水

立轴 设色纸本 66×31cm

题识：宾虹

印文：黄宾虹印

简介：黄宾虹（1865年1月27日—1955年3月25日），初名懋质，后改名质，字朴存，号宾虹，别署予向。原籍安徽省徽州歙县，生于浙江省金华市。中国近现代国画家，擅画山水，山水画一代宗师。也是书法家，与白蕉、高二适、李志敏合称“20世纪文人书法四大家”。曾任中国艺术专科学校校长，中国美术家协会理事。被称为“中国人民优秀的画家” 。

浑厚华滋，郁勃苍茫

中国山水画经历了千年的发展和变化历程。而黄宾虹是中国近代美术史上最后一位古典的现代山水画家，他是传统的总结和延续，又开启一代新风格、新面貌，将中国文人画推向了一个新高峰，成为一代宗师。由画法之变，到风格的形成，他提出了“内美静中参”的绘画思想。在千年的传统绘画的影响下，对西画的取舍，对传统的延承与变革的问题上他都有自己的主张。由于色彩、光影、构成、图式、肌理效果等大量现代造型因素的介入。笔墨语言被忽视了，山水画中的“笔精墨妙”的价值，势必会影响山水画中笔墨语言“内美”的发展。笔墨是中国画语言的承载者的地位则会动摇。黄宾虹站在艺术的高度，用“金石学”、“五笔七墨”的书学原理，展示了笔墨是山水画的精华。用“浑厚华滋的民族性”，谱写了历史的辉章，展现了中国山水画独有的人文价值和美学价值。

黄宾虹《山水》局部图

黄宾虹一生遍游祖国的名山大川，他九上黄山、五游九华、四登泰岳、登峨眉、游青城、走四川、历长江三峡、登巫山十二峰。饱览群山、胸有成竹注重实地写生，石涛的“搜尽奇峰打草稿”的绘画思想被黄宾虹再次验证。经过一生坎坷的艺术经历，他提出了“不读万卷书，不行万里路，不求修养之高，无以言境界。”也正是由于他胸怀祖国名山大川，渊博的知识，在绘画中总结出了“平、圆、留、重、变”五种笔法和“浓、淡、破、波、积、焦、宿”七墨的书学原理，开创了前无古人的“浑厚华滋”现代审美新境界。

黄宾虹《山水》局部图

浑厚华滋是黄宾虹山水画的典型审美特征。他的山水画墨深淋漓，重叠不乱，阴阳晦明，层次分明，黑中含白，白中含黑。变幻奇谲，浑厚苍润其笔酣墨饱、丰富多彩的笔墨别有一股摄人心魄的力量，所谓“不似之似，是为真似”“不仅貌似，而尽变化”正可概括他的山水画语言形态。黄宾虹的绘画是建立在书法基础之上的楼阁，其山水黑、密、厚、重的画风、浑厚华滋的笔墨中，蕴涵着厚德载物的美学取向。

黄宾虹《山水》局部图

此图有着画家老年时期“黑、密、厚、重”的画风，所画山川层层深厚，气势磅礴，惊世骇俗，这一显著特点，也使中国的山水画上升到一种至高无上的境界。明清以来，画黄山的大家比比皆是，而黄氏所作黄山图迥异于前辈诸家，黄宾虹追求黑密厚重、浑厚华滋，统筹兼顾浓墨、淡墨、破墨、积墨、泼墨、焦墨、宿墨等不同墨法。层层深厚，韵味无穷，丝毫没有凌乱和压抑之感。

黄宾虹《山水》题跋局部图

黄宾虹常言：“前清道咸金石学盛，绘画成为复兴。”古文字发展至今，黄宾虹以他丰富渊博的金石学与史学修养引入到绘画中，并以此对画道进行正本清源、求新求变。金是指钟、铎、鼎、鬲等铜器；石是指碑碣、墓志、造像等刻石瓦当。通过对金石学的研究，梳理出书法、绘画的流变过程。我国传统绘画强调书画同源、“求画法与书法，借书法与画法”，宾虹尤其如此。他曾提到：“清道咸中金石学盛，绘事由明启祯诸贤上溯北宋，一扫娄东虞山柔靡之习。”此言更加强调了金石学对绘画的重大意义。黄宾虹认为：“上古奇字，书与画合，必先有画，而后有书。上古之画，不可谓非上古之书也。”[从而说明了绘画与书法相辅相成密不可分的关系。由于多年金石学的考究，对书法、绘画的深切认识，笔法变得更加泼磔锋芒、苍厚老辣、刚健婀娜、变化多端。黄宾虹在山水画中弱化和淡化了用色、用墨、用皴，而是凸显了理趣。他对线条追求的是“气韵酣畅”、“浑成一气”。

（原作拍摄）

墙角数枝梅，凌寒独自开。

遥知不是雪，为有暗香来。

Lot 004

陆俨少 梅石图

立轴 设色纸本 67×45cm

题识：一九八五年二月陆俨少写

钤印：陆俨少 宛若

简介：陆俨少（1909年6月26日—1993年10月23日），现代画家。又名砥，字宛若，上海嘉定县南翔镇人。陆俨少先生历任上海中国画院画师、浙江画院院长、浙江美术学院（今中国美术学院）教授、中国美术家协会理事等职。

气势磅礴，雄秀跌宕

陆俨少的梅石画作品以其清新隽永、古拙奇峭的特点著称，具有超凡脱俗的审美情趣和灵动的意韵。他的梅石画作品常常通过斜角构图和凝练的笔墨，展现出梅花和石头的生动形态和高洁品格。他的《梅石图》作品，通过斜角构图和凝练的笔墨，表现了梅花的鲜艳和石头的坚韧，画面中朵朵红梅在近视远看都有别具一格的景象，引人入胜。

陆俨少的梅花是中国画坛的一朵瑰宝，它充分吸收了许多传统文人画的精华，尤其对陈老莲、石涛等大师的借鉴最多。然而，陆俨少并不仅仅满足于模仿前人，他更是在此基础上融入了自己的独特创造，使得他的梅花作品充满了独特的艺术魅力和生命力。

陆俨少的梅石画不仅在构图上独具匠心，而且在笔墨运用上也极为讲究。他善于运用疏秀流畅的线条和刚柔相济的笔触，使得画面既具有动态的美感，又不失静态的韵味。他的梅花作品清奇孤傲，摆脱了繁琐复杂的构图，用色不艳丽醒目，而是通过自然流畅的笔法，表现出明亮清透的意境，回味悠长。

陆俨少的梅花作品以其细腻的笔触和深厚的墨色运用技巧为特点。他吸收了陈老莲的线条简练、形象生动的特点，以及石涛山水画的布局和墨色运用技巧。同时，他还巧妙地融入了元代王冕的影响，使得他的梅花作品既有传统文人画的雅致，又不失现代艺术的创新。

陆俨少的艺术成就不仅体现在梅石画上，他在中国画坛的整体贡献也是巨大的。他不仅继承了传统文人画的精髓，还在此基础上进行了创新，形成了自己独特的艺术风格。他的作品充满了细腻的笔触和深厚的墨色运用技巧，通过对生活的观察和体验，使得他的作品充满了生命的力量和艺术价值。

（原作拍摄）

人间多少佳山水，独许黄山胜太华。

云海波澜峰作岛，天风来去雨飞花。

千重烟树蝉声翠，薄暮晴岚鸟语霞。

怪石奇松诗意里，溪头吟罢饮丹砂。

Lot 005

徐邦达 山水

立轴 设色纸本 98×44cm

题识：壬午冬月心远生徐邦达印文：徐邦达印 蠖叟

简介：徐邦达（1911年7月7日—2012年2月23日）字孚尹，号李庵，又号心远生、蠖叟，浙江海宁人，生于上海。1947年曾在上海中国画苑举办个人画展。1950年调北京国家文物局，主要从事古书画的鉴定工作。

淡雅清丽，古意盎然

徐邦达的山水画笔墨秀润而富有深意，展现出幽深的意趣。他善用中锋勾勒山石轮廓，侧锋皴擦肌理，线条圆润中见骨力，既有元人笔意的松灵，又含宋人丘壑的严谨。构图新颖，常采用对角线布局，使画面呈现出动态的平衡感。他善于运用留白与实物的对比，营造出虚实相生的艺术效果。

徐邦达《山水》局部图

徐邦达的山水画色彩淡雅，善用浅绛、青绿等传统设色方法，使画面呈现出古朴典雅的气息。他注重色彩与墨色的融合，避免浓艳浮华，追求“色不碍墨，墨不掩色”的和谐效果。

徐邦达《山水》局部图

他的山水画不仅是视觉艺术的展现，更是文人情怀的寄托。他常在画中题写自作诗或引用典故，深化作品的思想性。

徐邦达《山水》局部图

徐邦达的山水画是传统与创新的完美结合，其笔墨秀润、构图精妙、色彩淡雅、意境深远，既承续了文人画的审美传统，又融入了个人的艺术思考。他以鉴定家的严谨态度从事创作，使作品兼具学术价值与艺术魅力。正如其自题画语所言：“我自我法，天心一体”，徐邦达的山水画正是这一理念的生动诠释。

（原作拍摄）

法由我变，艺为人生

——吴作人

Lot 006

吴作人 海边

油画 16×11cm

题识：作人1961

简介：吴作人（1908年11月3日—1997年4月9日），安徽宣城泾县人，生于江苏苏州，从师徐悲鸿先生，曾任中央美术学院教务长、副院长、院长、中国美术家协会副主席。文化委员会主任等职。原为中央美术学院教授、名誉院长，中国美术家协会主席。

吴作人力与美的无上赞歌

在艺术的殿堂中，吴作人的油画以其独特的风格和深刻的内涵，成为一道亮丽的风景线。他的作品不仅是对自然和生活的写照，更是对人性与情感的深入挖掘和表达。

吴作人的油画，如同一首首色彩的交响乐，将观众带入一个五彩斑斓、充满生命力的世界。他善于运用各种色彩，从鲜艳的红、黄、蓝到柔和的灰、白、黑，每一种色彩都在他的笔下焕发出独特的魅力。他的画面构图精巧，线条流畅，色彩对比鲜明，给人带来强烈的视觉冲击。

在他的油画中，自然景色常常被赋予浓厚的情感色彩。无论是山川的壮丽、树木的繁茂，还是花草的芬芳、鸟虫的欢歌，都仿佛在诉说着一个个动人的故事。他通过对自然景色的描绘，表达了对大自然的敬畏和热爱，也抒发了对生命的珍视和赞美。

同时，吴作人的油画也深刻反映了人性的复杂与多元。他关注人们的内心世界，用细腻的笔触描绘出人物的喜怒哀乐、悲欢离合。在他的作品中，我们可以看到人性的善良与纯真，也可以看到人性的贪婪与自私。他通过对人性的描绘，引发观众对人生、爱情、道德等问题的思考。

吴作人的油画不仅具有高度的艺术价值，更蕴含着深刻的思想内涵。他的作品既是对现实生活的写照，又是对人类精神的探索与追求。他用画笔诠释了生活的美好与苦难，也揭示了人性的光明与阴暗。

吴作人的油画是一种视觉的盛宴，也是一种心灵的独白。他的作品让我们在欣赏美的同时，也能感受到生活的真谛和人性的复杂。他的艺术成就不仅为中国的油画艺术增添了浓墨重彩的一笔，也为世界艺术宝库贡献了宝贵的财富。

（原作拍摄）

在艺术上要有我，

在人生观上要无我。

——吴作人

Lot 007

吴作人 风景

油画 39×30cm

题识：作人83

简介：吴作人（1908年11月3日—1997年4月9日），安徽宣城泾县人，生于江苏苏州，从师徐悲鸿先生，曾任中央美术学院教务长、副院长、院长、中国美术家协会副主席。文化委员会主任等职。原为中央美术学院教授、名誉院长，中国美术家协会主席。

（原作拍摄）

庄严

Lot 008

太虚法师 庄严

镜心 水墨纸本 67×34cm

题识：释太虚

印文：太虚

简介：太虚法师，俗名吕沛林，法名唯心，法字太虚，别号昧庵。光绪十五年（公元1890年），出生于浙江海宁县长安镇（今海宁市），籍贯浙江崇德县（今桐乡市）。太虚法师是近代伟大的佛教改革家、教育家、思想家，门下弟子有印顺法师、大勇法师、慈航法师、法尊法师等诸位大德。太虚法师学理深厚、著作等身，既为唯识学大家，同时又对佛教各宗融摄贯通，矢志于“八宗齐弘”。

结构开阔，用笔潇洒

太虚法师的书法以行草见长，风格秀劲雅逸、灵动俊朗，结构开阔、用笔潇洒，既保留了传统书法的韵味与精髓，又融入了佛法的空灵与深邃，具有独特的艺术魅力和深厚的文化内涵。

太虚法师的书法作品线条流畅，笔力遒劲，既有古人的遗风，又不失个性气息和风貌。其作品如行云流水，连绵不绝，笔断意连，一派天成，美不胜收。在结体上，太虚法师善于运用空间布局，将字与字、行与行之间的关系处理得恰到好处，营造出一种和谐统一的整体效果。其用笔潇洒自如，不拘一格，展现出一种超脱尘世的雅静之美。

太虚法师作为一位佛学理论家和实践家，其书法作品不仅承载着佛法的深邃，更展现了他对传统文化的深刻领悟与艺术创作的独特见解。他善于将佛法的智慧与哲理融入书法之中，作品中透露出对生命本质的深刻体悟与对宇宙真理的无限向往。

太虚法师的书法作品常常配以优美的诗句或含蓄隽永的名句，旨在借书法和佛学以感染后学和芸芸众生。这种诗书合一的文人情怀，使他的书法作品具有了更高的文化价值和艺术魅力。

（原作拍摄）

毕竟西湖六月中，风光不与四时同。

接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。

Lot 09

陈大羽 荷花

立轴 设色纸本 94×51cm

题识：乙亥夏月陈大羽

印文：陈大羽

简介：陈大羽（1912年—2001年），著名大写意花鸟画大师，书法家、篆刻家。陈大羽早年就读于上海美术专科学校，师从姚世影、马公愚、诸乐三、诸闻韵、王个簃。曾任中国美术家协会常务理事，江苏省美术家协会、书法家协会副主席。中国美术家协会会员，中国书法家协会会员，南京艺术学院美术系名誉主任。

把握细节，精益求精

陈大羽先生多才多艺，花鸟、山水画均佳。花鸟画尤其有开拓性的成就。他学习吴昌硕和师从齐白石，是继承他们的精神，而不是摹仿他们的绘画面貌。他十分注意保持自己的个性。题材上，陈大羽很早擅长画鸡，他画各种形态、各种“性格”的鸡，且风格独特，可谓在画坛“割据一方”，独领风骚，深受人们欣赏。可是他不以此为满足，而是不断探索和拓展自己的表现内容，达到花鸟虫鱼无所不能的境地。不过在花鸟画领域，题材内容的变化毕竟有限，而绘画形式语言的变革却有很大的空间。

他从前辈大师那里广泛地吸收营养，为我所用，根据自己的生活体验，表现自己内心的深切感受，从而拓展了作品的人文内容。他心中有古人，又有“我”在。在他的作品中，我们首先看到的是他的真情致性和由此产生的个性风格。他是一位有博爱精神的艺术家，他对自己的表现对象，都充满着感情和爱，努力揭示其内在的生命和形式美感。

他是一位有广阔心胸和深邃见解的艺术家，他的作品有大的格局和气象。每一幅画的布局、构图，都有不用于别人的奇思妙想和出神入化的手腕，但又是那么有天然趣成，丝毫没有雕琢痕迹。笔线的遒劲有力和墨色的酣畅淋漓，形成陈大羽先生花鸟画精妙的物体神态和不凡的写意气势。可以想见，他像写草书那样，执笔稍高，悬腕运笔，用全身体力、臂力和腕力作画，点擦皴染，均在有意无意、有法无法之间；笔迹墨块的远远近近、疏疏密密、正正斜斜，在缤纷离乱和纵横错杂之间，有气相连，形成触动人们心灵的气韵和节奏。

需要指出陈大羽先生在墨与色的运用上的造诣，他善于用泼墨、破墨和积墨法，经常三墨同时运用，墨色变化多端。他尤其敢于用浓墨配以浓色，敢于用喜庆热闹、醒目的红色，配以与之相协调的墨和其他色彩，画面鲜明、醒目，气势宏大，意境开阔，格调高雅，有很强的艺术感染力。晚年画风更是老辣稚拙，雄浑纯朴，进入极境。

（原作拍摄）

百花一岁一怀新，独此丰神久耐人。

不管东风留且去，芳心常得四时春。

Lot 010

蒲华 花卉

立轴 设色纸本 138×36cm

题识：甲辰三月蒲华

印文：蒲华

简介：蒲华（1832年—1911年）字作英，亦作竹英、竹云，浙江嘉兴人。号胥山野史、胥山外史、种竹道人，斋名九琴十砚斋、九琴十研楼、芙蓉庵，夫蓉盦、剑胆琴心室等。晚清著名书画家，与虚谷、吴昌硕、任伯年合称“海派四杰”。

水墨写意与设色没骨的交融

蒲华的花卉作品以豪放洒脱的笔触、鲜明浓郁的色彩和金石趣味的笔墨风格独树一帜，既承续传统文人画的诗意内核，又融入世俗化审美与市井生机，成为晚清海上画派的重要标杆。

蒲华《花卉》局部图

蒲华的花卉创作以水墨写意与设色没骨技法为核心，展现出独特的艺术语言。他善用饱水饱墨的笔触，通过浓淡干湿的墨色变化表现花卉的生机，在设色上，他借鉴恽南田、蒋南沙的淡彩没骨法，以清丽雅致的色彩赋予花卉鲜活的生命力。

蒲华《花卉》局部图

蒲华的笔墨运用突破了传统文人画的冷逸格调，融入了金石书法的雄健笔力。他以篆书笔法画花瓣，草书笔法写枝干，使线条圆润中见苍劲，流畅中含凝重。

蒲华《花卉》局部图

蒲华的花卉题材广泛，既包含梅、兰、竹、菊等传统“四君子”，也涵盖牡丹、水仙、月季等市民阶层喜爱的吉祥花卉，甚至将大蒜、南瓜等生活常见作物入画。这种选择反映了海上画派雅俗共赏的特点，使作品更贴近市民生活。

蒲华《花卉》局部图

蒲华的花卉色彩鲜明浓郁，突破了传统文人画的淡雅格调，形成古艳斑驳、酣畅淋漓的艺术效果。蒲华的花卉作品不仅是视觉艺术的展现，更是文化内涵的寄托。他常在画中题写自作诗或引用古人诗句，深化作品的思想性。

蒲华《花卉》钤印局部图

作为诗人、书法家，蒲华将金石趣味融入花卉创作。他的书法以碑学为基础，融入北碑派的稚拙之趣，笔法古拙、质朴、敦厚。在花卉画中，他以篆书笔法画花瓣，草书笔法写枝干，使画面充满书法的韵律美。

（原作拍摄）

岁暮龙城景色酬，长空夜晚月如钩。

玉肌日落清芬怒，冰骨寒天疏影柔。

霜露焉能摧意气，山川且欲载风流。

琼芳数点知交悦，踏雪闻香一望收。

Lot 011

董寿平 梅石图

立轴 设色纸本 68×61cm

题识：董寿平

印文：董寿平

简介：董寿平（1904年—1997年）当代著名写意画家、书法家。原名揆，字谐伯，后慕南田恽格恽寿平遂改名寿平，山西省临汾市洪洞县杜戍村人。早年毕业于天津南开大学。以画松、竹、梅、兰著称，晚年有黄山巨擘之称，以黄山为题材画山水，亦善书法。曾为中国书法家协会顾问，中国美术家协会会员，北京荣宝斋顾问，全国政协书画室主任，北京中国画研究会名誉会长，山西省文物研究会名誉会长，中国人民对外友好协会理事。

刚柔相济，气韵生动

董寿平的梅石图以苍劲浑朴的笔墨、刚柔相济的构图和诗书画印的融合，展现了梅花傲雪凌霜的精神气质与金石书法的骨力韵味，堪称传统写意花鸟画与文人画精神的现代典范。

董寿平的梅石图以“苍劲浑朴”为核心技法特征，其笔墨既承续了传统文人画的写意精神，又融入了金石书法的雄健骨力。他画梅干时，以浓墨直上直下，用笔凝重浑厚，如“屈铁”般坚韧，虬枝盘曲遒劲，展现出梅花“傲雪凌霜”的生命力。

其用墨讲究浓淡干湿的变化，通过墨色的层次表现梅花的立体感与空间感。如梅花花瓣以淡墨晕染，花蕊则以朱砂点缀，疏密相间，浓淡有致，形成“分外妖娆”的视觉效果。这种技法既保留了传统写意的空灵，又赋予画面现代装饰性，使梅花在“繁”与“简”之间达到平衡。

董寿平的梅石图构图独具匠心，常以“刚柔相济”为原则，通过枝干与石头的对比展现自然生机。他善用对角线布局或斜向穿插，引导视线流动。

董寿平的梅石图对20世纪中国画的发展产生了深远影响。他通过“金石风”的实践，将传统文人画的温文尔雅转化为豪放洒脱的时代语言，其作品既保留了“笔墨当随时代”的精神内核，又探索了传统艺术与现代审美的结合路径。

（原作拍摄）

松山瀑布挂银帘，坐看水云观大千。

薄雾寒烟雷耳畔，行空雁阵欲南迁。

Lot 012

胡也佛 山水

立轴 设色纸本 83×39cm

题识：乙酉三月十有九日也佛写于佛洲书屋

印文：也佛

简介：胡也佛（1908—1980）本名国华，后改名为丁文、若佛，字大空，号谷华，自署十卉庐主，浙江余姚人。上海新华艺术专业毕业，曾任上海商务印书局编辑、国民书局经理。工书画，学宗仇十洲，擅作仕女，间写宋元一路山水，隽逸过人。

笔墨苍劲，严谨自如

胡也佛的山水画以南宋马远、夏圭的“斧劈皴”为根基，山石棱角分明，树木苍劲挺拔，线条如刀刻铁铸，尽显北派山水的雄浑气势。他晚年受张大千启发，将西洋色彩融入传统笔墨：以赭石淡彩晕染山体肌理，石青石绿层层积染云雾，使画面在苍劲中透出鲜活。

胡也佛《山水》局部图

其笔墨运用尤见功力，早年苦练的“铁线游丝”技法（正圆、椭圆、弧线一气呵成）不仅用于人物画，更延伸至山水：山石轮廓如刀刻，云雾流水则以游丝细笔勾勒，柔中带刚。墨色层次丰富，浓墨如乌云压顶，淡墨似薄雾轻笼，通过干湿浓淡的对比，营造出深远的空间感。

胡也佛《山水》局部图

胡也佛的山水画兼具南派的细腻与北派的豪放，却避免了南派的甜熟与北派的简练。他学明代仇十洲笔法而避其甜腻，以细腻笔触绘山水婉约，又以北派气势赋予画面磅礴。他突破传统山水题材的局限，将写实场景与传统笔墨结合。

胡也佛《山水》局部图

胡也佛的山水画承载着乱世文人的精神寄托。抗战期间，他迫于生计以卖画为生，但笔墨间仍保文人清高，添世俗烟火气。其画作还体现了对传统文化的传承与创新。他师法宋元而不拘泥，融入西洋色彩与透视法，使山水画兼具古典韵味与现代气息。

胡也佛《山水》题跋局部图

他的山水画之所以备受推崇，在于其“融古今为一体，合中西为一别”的艺术追求。他以苍劲之笔写山河筋骨，以淡雅之色绘云烟魂魄，在传统与创新的张力中，铸就了属于时代的山水诗篇。正如评论所言：“胡也佛的山水画，是宋元古画的隽逸与西洋色彩的明丽在宣纸上的交响，是乱世中文人坚守与创新的见证。”

（原作拍摄）

荷叶罗裙一色裁，芙蓉向脸两边开。

乱入池中看不见，闻歌始觉有人来。

Lot 013

周思聪 荷花两帧

托片 设色纸本 69×45cm*2

题识：思聪

印文：周

简介：周思聪（1939年—1996年），中国美术家协会原副主席，中国著名女画家。曾得到李可染、蒋兆和、叶浅予、刘凌仓、李苦禅、郭味蕖等诸位名师指点，为北京画院一级美术师、中国美术家协会常务理事、中国美术家协会副主席。

周思聪的墨荷，清幽至极

周思聪曾得到李可染、蒋兆和、叶浅予、刘凌仓、李苦禅、郭味蕖等诸位名师指点，为北京画院一级美术师、中国美术家协会常务理事、中国美术家协会副主席。周思聪受过严格的艺术训练，擅长水墨人物画，兼及花卉，偶作山水。造型能力强，早期作品带有一定的情节性，笔墨清新、洒脱，富有表现力。周思聪的荷花，在强调用笔的同时，突出丰富、微妙的墨色肌理创造。她兼用水墨、广告黑和丙稀，利用它们在透明、渗透性、浓度颗粒大小和色相上的区别创造不同的意象与气氛，或将它们综合起来，造成前所未有的效果。在这些荷花作品中，做矾纸与各种画法结合，造成相关的肌理、渗透、渍痕、残破、迟涩、时间、空间、风雨、光种感觉。自然生命在时间变幻中呈现出的丰富与微妙，水墨的千变万化所呈现的微茫惨淡，都化作难以言说的生命体验和灵魂颤动。周思聪最后的荷花，有了一种超越自我心灵，接近绝对平和的静。这种“静”不是枯燥的、沉闷的，而是生动的、“活泼泼的”，如同弘一法师辞世时写的那四个字：“悲欣交集”。

（原作拍摄）

天门中断楚江开，碧水东流至此回。

两岸青山相对出，孤帆一片日边来。

Lot 014

冯超然 山水

托片 设色纸本 71×41cm

题识：壬午八月慎得居士冯超然写于晋陵

钤印：冯超然

简介：冯超然（1882年—1954年），名迥，号涤舸，晚号慎得。原籍江苏常州，生于松江。辛亥革命后来沪，居嵩山路，卖画为生，别署嵩山居士，室名嵩山草堂。

南北融合，笔墨双绝

冯超然的山水画技法融合南北宗派之长，形成独特风格。他早年师法“四王”，精研董源、巨然等南派山水，笔触细腻温润；中年研习“明四家”，汲取北派雄浑劲健之气，使画面兼具壮阔布局与厚重质感。其用笔刚柔并济，中锋勾勒山体轮廓，线条如铁画银钩；侧锋皴擦山石纹理，轻重缓急间尽显质感。皴法多样，披麻皴与斧劈皴交替运用，层次丰富；墨法精妙，干墨渴笔与湿墨晕染结合，浓墨点苔醒目提神，淡墨铺陈烘托气氛，墨色浓淡干湿交织，变化无穷。

冯超然的山水画风格经历了从仿古到创新的转变。早期作品受“四王”影响，以仿古为尚，笔墨气象醇雅；后期融合宋人工丽秀润之致，布局工整严谨，形成独特艺术语言。六十岁后，山水由繁密趋简约，笔致逸放沉稳，貌似荒率却意更深远，以清逸明丽、雅腴灵秀、似古实新的面貌独树一帜。他遍临各派，取其精髓，化古为己，创作出符合时代的优秀作品。例如《松阴观瀑图》作于暮年，笔力苍劲，格调高古奇幽，画面澄明，赋色清丽不薄气，用笔自由不纤弱，雄浑苍劲，意境深远。

冯超然的山水画意境深远，是其与自然、心灵深度对话的结晶。他通过写生练习，走出画室，亲近自然，观察山川四季变化、朝晖夕阴之美，使作品构图摆脱程式化，充满生活气息与自然生机。画面中，山峰峻峭，云雾缭绕，瀑布飞泻，溪流潺潺，院落草舍若隐若现，仿若世外桃源。观者凝视画作，仿佛能听见瀑布的轰鸣、溪流的低语，能嗅到山间草木的芬芳，能感受到山居的清爽惬意，人与自然相融相契，天人合一的美妙意境扑面而来。例如《夏山飞瀑》中，山峰、云雾、瀑布、溪流、院落草舍等元素和谐统一，营造出宁静悠远的山水世界。

冯超然的山水画对近现代中国画坛产生了深远影响。他不仅在明清四王的基础上远溯宋元，还糅合新的时代气息，形成古雅与新鲜并存的风貌。其画斋“嵩山草堂”培养出陆俨少、张谷年、郑慕康等众多杰出绘画人才，为美术事业发展贡献力量。他的艺术传承如涓涓细流，润泽后世，使中国山水画在近现代得以延续与发展。

（原作拍摄）

东风才了又西风，群木山中叶叶空。

只有梅花吹不尽，依然新白抱新红。

Lot 015

黎雄才 梅雀图

立轴 设色纸本 132×67cm

题识：己巳新秋戏作此帧于广州珠江南岸雄才

钤印：雄才急救

简介：黎雄才（1910年—2001年12月19日）当代国画家、美术教育家，岭南画派卓有成就的代表人物。擅长巨幅山水画，精于花鸟草虫，画作气势浑厚，自具风貌，被评论界称为“黎家山水”。

气势宏大，荡气回肠

黎雄才强调，绘画应该向书法的执笔、运腕、以及各家法度，以至书法的表现精神等方面吸收精华。这是他对书法和绘画两者关系的理解。黎雄才画作中的笔墨和线条，每每都透露出其深厚的书法功底，处处流露出丰富的笔墨神韵。

黎雄才《梅雀图》 局部图

黎雄才在山水画的创作上，以写生为主，因此他笔下的景色，给人一种很“实在”的感觉。他在日本取法的“朦胧体”风格，延续到他回国后。黎雄才成功地揉合了传统与日本画法。

黎雄才《梅雀图》 局部图

虽然黎雄才以山水闻名画坛，但其花鸟画也十分精彩。他的花鸟同样吸收了日本画的朦胧美感，构图简洁，描绘精工，法度谨严，笔法丰富，粗细相间，尤以干笔略施皱擦，浓淡相宜。他这种新作风，既有笔墨，又有渲染，营造出欢愉的气氛与祥和朴实的意趣！

黎雄才《梅雀图》 钤印局部图

黎雄才着意以笔墨书写来表达他所见的景物，作品具有浓郁的“挥写”之趣。

（原作拍摄）

长忆古多福，三茎四茎曲。

一叶动机舂，清风自然足。

Lot 016

吴湖帆 翠竹图

立轴 设色纸本 100×50cm

题识：丁亥冬日写梅人诗吴湖帆

印文：倩庵 梅景书屋

简介：吴湖帆（1894年7月2日—1968年8月11日)，江苏苏州人，为吴大澄嗣孙。初名翼燕，字遹骏，后更名万，字东庄，又名倩，别署丑簃，号倩庵，书画署名湖帆。三四十年代与吴待秋、吴子深、冯超然并称为“三吴一冯”。曾任上海中国画院筹备委员、画师，上海大学美术学院副教授，中国美术家协会上海分会副主席、上海市文史馆馆员、上海市文物保管委员会委员。

锦绣奇峰，秋岭横云

在中国近现代画坛，吴湖帆以独特的艺术语言诠释了传统文人画中的竹石意象。他的作品既承袭古法，又自出新意，展现出深厚的笔墨功力与文人情怀。

吴湖帆《翠竹图》 局部图

吴湖帆画竹，取法宋元，尤得文同、吴镇之妙。其笔下翠竹挺拔清劲，枝叶疏密有致，墨色浓淡相宜。他善用飞白笔法表现竹叶的灵动，通过笔势的轻重缓急，营造出风竹摇曳的生动气韵。其怪石描绘则融合南北宗之长，既有南宗的温润含蓄，又具北宗的雄强刚劲。他常以披麻皴、解索皴等技法表现石质的苍劲，并巧妙运用留白，使山石在虚实之间更显立体。

吴湖帆《翠竹图》 局部图

他主攻宋元文人画传统，尤其得文同、 吴镇 真传，同时融入 赵孟頫 的墨竹技法与 恽寿平 的没骨法，形成疏淡清雅的风格。其竹叶用飞白笔法表现灵动气韵，墨色浓淡相宜，疏密有致，常以水墨烘染与青绿设色结合，营造出“凤尾梢卷”的视觉效果。

吴湖帆《翠竹图》 局部图

竹在吴湖帆笔下不仅是自然物象，更成为文人精神的象征。他通过笔势的轻重缓急，将竹的刚劲与风雅融合，展现“爽朗高洁”的情趣，作品常被形容为“风流蕴藉”“潇洒生动”，具有超越物象本身的诗意表达。

吴湖帆《翠竹图》 题跋钤印局部图

作为 海派绘画 代表，吴湖帆的竹石艺术既延续了文人画传统，又赋予其现代转型的探索精神。其作品被视为近现代中国画发展的重要范例，尤其在没骨法与水墨结合的运用上开创了新境界。

吴湖帆《翠竹图》 局部图

吴湖帆的翠竹画作品以深厚的笔墨功力和独特的艺术语言著称，融合传统技法与时代精神，展现了文人画的高雅意境。

（原作拍摄）

海水变桑田时，

吾辄下一筹，

迩来吾筹已满十间屋。

Lot 017

江寒汀 花鸟

立轴 设色纸本 113×44cm

题识：庚子毂雨歬二日寒汀作于海上

印文：江上渔

简介：江寒汀（1903年—1963年2月6日），原名荻、庚元，笔名江鸿、石溪，号寒汀居士，江苏常熟虞山镇人，画家，中国美术家协会会员。

明丽鲜艳，清新典雅

江寒汀是当代海派花鸟画第一人，为近现代海派小写意花鸟最重要代表画家，名列“江南四才子”之首(亦称“海上花鸟四大名旦”)。谢稚柳先生说：“江寒汀花鸟清丽温静，尤多写生，后学之土，翕然从风。” (摘自《海上名旦》前言)

江寒汀《花鸟》 局部图

江寒汀擅长花鸟画，尤以描绘各类禽鸟著称于世。他的绘画内师传统，外师造化，广泛地从传统中吸取养料。他曾认真研究历代花鸟画家的技法，上溯宋元诸家，下至明清的陈白阳、徐渭、恽南田、金冬心、八大山人、新罗山人，对双钩填彩、没骨写生，均所擅长。

江寒汀《花鸟》 局部图

尤对任伯年、虚谷画艺潜心揣摩，系统研究，以致他临摹任伯年、虚谷的作品达到以假乱真的程度，在画坛上有“江虚谷”的美誉。

江寒汀《花鸟》 钤印局部图

为了画好各类禽鸟，他经常去鸟市看鸟、买鸟，家中还喂养了多种灵禽异鸟，泼彩之余，观其态，听其鸣。经过数十年的朝夕细观默察，对禽鸟飞、鸣、食、宿的千姿百态了如指掌，故他笔下的百鸟形态各异、动静自如、生动形象，张大壮曾赞誉：“寒汀笔下鸟，天下到处飞”。

（原作拍摄）

若有来生，仍守敦煌。

——常书鸿

Lot 018

常书鸿 小提琴

水彩 38×28cm

题识：书鸿

简介：常书鸿（1904年—1994年）老姓：伊尔根觉罗氏。别名：廷芳、鸿，河北省头田佐人。擅长油画、敦煌艺术研究。历任北平艺专教授，国立艺专校务委员、造型部主任、教授，教育部美术教育委员会委员，1943年任国立敦煌艺术研究所所长。1949年后历任敦煌文物研究所所长、名誉所长。敦煌研究院名誉院长、研究员、国家文物局顾问。

敦煌守护神——常书鸿

常书鸿是我国第一代敦煌学家，敦煌石窟艺术保护与研究的先驱。1926年赴法国里昂国立美术专科学校学画，后被保送至巴黎高等美术学校，师从新古典派画家劳伦斯。期间常书鸿所绘油画《梳妆》、《病妇》、《裸女》、静物画《葡萄》等作品，曾多次参加法国国家沙龙展。

常书鸿《小提琴》 手稿图

1935年的秋天，在巴黎留学的常书鸿来到塞纳河边的小书摊，无意中翻到了一套6大本的《敦煌石窟图录》，这是法国汉学家伯希和刚刚出版的新书，收录了他在中国敦煌莫高窟拍摄的壁画、雕塑作品300多幅。正是这一本图册改写了常书鸿的命运。

常书鸿《小提琴》 局部图

“虽然从小生长在中国，在中国学习美术，但西方的美术教育才让常书鸿懂得了什么是真正的艺术。常书鸿恍然大悟：敦煌的艺术就是世界上最好的艺术，我何苦舍近求远呢？已在巴黎画坛崭露头角的常书鸿做出了一个让所有人都震惊的决定：放弃巴黎，回国去敦煌。

“我决心离开巴黎，而等待着我离开巴黎的是蕴藏着千数百年前民族艺术的宝库的敦煌。”常书鸿说。1936年秋天，当时他31岁。

常书鸿《小提琴》 题跋局部图

常先生把他的一生奉献给了敦煌艺术。几十年的艰苦生活，他忍受了恶劣的环境、穷困的生活，经历了妻离子散和生活与工作的重压，但他仍然义无反顾，克服了难以想象的困难。在他辛勤工作的几十年中，组织修复壁画、搜集整理流散文物、撰写高学术价值的论文、临摹大量的壁画精品，并多次举办大型展览、出版画册，向更多的人介绍敦煌艺术，为保护和研究莫高窟做出了卓越的贡献。

（原作拍摄）

艺术源于生活高于生活。

——范迪安

Lot 010

范迪安 风景

油画 60×50cm

简介：迪安

简介：范迪安，1955年9月生于福建，中央美术学院中国美术史专业硕士研究生毕业，文学硕士，现任中央美术学院院长，教授，博士生导师，中国美术家协会主席，中国文艺评论家协会副主席，教育部艺术教育委员会副主任，中央文史研究馆馆员，中国美术家协会主席、中国文艺评论家协会顾问。

描绘时代，讴歌人民

范迪安作为一位著名的中国油画家，他的绘画创作风格独特，富有表现力和感染力。他的作品以风景题材为主，善于用色彩和笔触来表现大自然的美丽和神韵。他的画作色彩鲜艳、明快，充满了生命力和活力。他常常运用大胆的色彩对比和丰富的色彩层次，来营造出强烈的视觉效果。

在笔触方面，范迪安的笔触粗犷、有力，富有质感。他善于用厚重的笔触来表现物体的质感和形态，使画面更加生动、立体。

除了绘画创作，范迪安还在美术教育和美术理论方面做出了重要贡献。他曾担任中央美术学院院长，现任中国美术家协会主席。他在美术教育方面注重培养学生的创新能力和实践能力，为中国美术事业的发展培养了大批优秀人才。

范迪安是一位具有重要影响力的中国油画家和美术教育家，他的绘画创作风格独特，富有表现力和感染力，他的作品不仅具有艺术价值，也能够让观众感受到大自然的美丽和神韵。

（原作拍摄）

秋丛绕舍似陶家，遍绕篱边日渐斜。

不是花中偏爱菊，此花开尽更无花。

Lot 020

齐良迟 益寿

立轴 设色纸本 120×52cm

题识：白石四子齐良迟画

印文：白石后人

简介：齐良迟（1921年—2003年），字子长，1921年生于湖南湘潭，著名画家，系齐白石第四子。后任教于国立北平艺术专科学校。去世前为北京文史研究馆副馆长，湘潭齐白石纪念馆名誉馆长，中国艺术研究院艺术品鉴定研究室顾问、委员。

山石神韵，花鸟情趣

齐良迟以深厚的西画根底转攻国画，其特点是以没骨点垛作装饰性构图，用笔沉静，力量、速度大体平均，其韵律主要依靠物象不同的色彩、形状的组合而获得体现，而少有轻重疾徐、顿挫转折的节奏变化。

花叶缤纷烂漫，而格调文静娟秀，为传统画法中所未见，又能为雅俗所共赏，洵艺苑之奇葩、玉台之清品，尤以小幅更为精到。

齐良迟的水彩作品色调明快，风格隽永，对于将中国水墨的意境融入西方绘画传统做出了有益的尝试，在画坛享有盛誉。

齐良迟在诗、书、画、印等方面成就显著。其诗词言情言志，语意深长；其书法气势不凡，柔中有刚；其画作笔墨精妙，美不胜收；其篆刻奇崛多姿，健劲有力。

（原作拍摄）

触动灵魂的油画家——艾轩

Lot 021

艾轩 人物

油画 110×110cm

题识：艾轩Aixuan2008.9

简介：艾轩，生于1947年11月11日，浙江金华人。北京市高级文艺职称评审委员。现为国家一级美术师，中国美术家协会会员，北京画院艺术委员会委员，中国油画学会常务理事。

一笔一画皆是情感

艾轩的油画作品主要以西藏的人物、山水为题材，通过写实的手法反映西域人们的现实生活，并抒发自己心灵深处对西藏高原荒凉之地的一种人文情怀。他的作品意境苍凉荒寒、凄清宁静、孤独寂静，常常将人物置于一望无际的草地、雪野、荒原之中，营造出一种忧郁感伤的氛围。

艾轩的油画中，人物造型扎实，淳朴感人。他善于捕捉人物的眼神和面部表情，尤其是孤独迷茫的眼神，透露出对生活的无奈和对未来的期许。在《风声凄美》等作品中，他刻画了一个大眼睛的小女孩，眼神中充满了迷惑、忧伤和向往，这种人物形象成为他作品的标志性符号。

艾轩在色彩上倾向于使用黑白灰以及蓝紫色的冷色调，这些色调使得画面展现出深厚沧桑而又丰富多变的效果。他巧妙地运用色彩对比和反差，增强画面的视觉冲击力。

艾轩的油画构图考究，人物往往出现在画面的一角，而背景和空间则旷达而深邃。这种构图方式不仅突出了人物形象，还留给观者广阔的想象空间。

艾轩的油画作品是当代中国油画艺术中的瑰宝。他以西藏为题材，通过写实的手法和独特的艺术语言，展现了高原人民的现实生活和精神面貌。他的作品意境深远、情感丰富、技法精湛，具有很高的艺术价值和审美价值。艾轩的油画艺术不仅是对中国传统文化的传承和创新，也是对人类共同精神追求的深刻反映。

（原作拍摄）

观察是一种深刻的力量

——冷军

Lot 022

冷军 雨后

油画 106×86cm

题识：冷军2010

简介：冷军，1963年生于四川省达州市大竹 。1984年毕业于武汉师范学院汉口分院(现江汉大学)艺术系。武汉画院专业画家，中国国家画院油画院研究员 ，国家一级美术师，中国美术家协会会员，在2007年9月22日下午闭幕的湖北省文学艺术界联合会第八次代表大会，冷军当选为第八届省文联副主席。

超写实艺术的巅峰传奇

冷军是中国当代超写实主义油画的领军人物。是中国当代超写实主义油画的最具代表性的画家。冷军以其超级写实主义风格，在中国画坛独树一帜。其作品的最大特点就是极端写实。他的作品画面丝毫毕现，形象精致入微。同时，由于对当代题材与内容的切入，可以给观者精神上也形成全面的张力，心灵受到震颤。

冷军的"写生"被作为是保证画面信息来源的生动性、丰富性和可靠性以及激发行动的表现方式，在作画时他往往要逼近对象，扫描式的寻找、体会每个所需要的细节，局部深入，整体观照，力求画面充分，细节与整体效果的完美统一。通常人们只熟悉他的写实油画非常优秀，殊不知冷军的写意国画也非常棒。

借用湖北文联主席熊召政先生评价过冷军国画的一句话：“成名于油画，但国画后来居上，将会达到冷军艺术生命的又一座高峰。”冷军的国画与他所作的写实画不同，在题材上更加丰富。虎，狮，虾，蟹，竹等皆是他画中题材。

（原作拍摄）

一个好画家必定是个好人，

一个人是自私，有再多的学问，没用。

——朱乃正

Lot 023

朱乃正 风景

油画 61×45cm

题识：朱乃正1992

简介：朱乃正（1935年11月—2013年7月25日），浙江省海盐县人。中央美术学院教授。1958年毕业于中央美术学院，受吴作人、艾中信、王式廓等先生指导。曾任中央美术学院副院长，中央美术学院学术委员会副主任，教授、研究生导师，中国美术家协会理事，油画艺术委员会主任。

蕴大野清幽，生风骨奇峻

朱乃正的油画艺术以其独特的风格和深刻的意境，展现了中国油画的魅力，同时也体现了他深厚的书法功底和对中国传统文化的深刻理解。

朱乃正的作品不仅在色彩运用上强调了西部自然景观的旖旎，而且通过小画幅展现出的空旷孤寂场景，如泪眼问花不语、寒波澹澹起等，传达了一种欲语还休、物我两忘的艺术境界。这些作品中的意境，既有“有我之境”，也有“无我之境”，前者以我观物，物皆著我之色彩；后者以物观物，不知何者为我，何者为物。这种艺术境界的探索，不仅展示了朱乃正在艺术上的创新精神，也体现了他对自然和人生的深刻理解。

朱乃正的艺术之路深受中国传统文化的影响，尤其是书法艺术。他自幼习字，书法不仅成为他生活的必需，更成为他艺术创作的精神支柱。他认为，通过书法教育，可以增强学生的民族自尊与自信，将民族文化积淀转化为艺术创造的精神力量。这种观点反映了他对中国传统文化的重视和传承的决心。

朱乃正的油画艺术不仅是中国油画界的重要贡献，也是中国传统文化的现代诠释。他的作品通过色彩、构图和意境的完美结合，展现了中国油画的独特魅力和深度。

（原作拍摄）

低眉细把朱砂点，举镜轻将秀脸抬。

待上浓妆开好戏，个中独唱合高台。

痴人只睹红颜在，美梦无关白眼来。

一出梨园真国色，君心谁悦总难猜。

Lot 024

张桂铭 戏剧人物

立轴 设色纸本 113×52cm

题识：桂铭

印文：张桂铭印

简介：张桂铭，1939年生于浙江绍兴，1964年毕业于中国美术学院中国画系，同年入上海中国画院。曾任上海中国画院副院长，刘海粟美术馆执行馆长，1988年被评聘为国家一级美术师，现为中国美术家协会中国画艺委会委员，上海市文联委员，上海市美协常务理事，上海大学美术学院、上海理工大学艺术设计学院客座教授等。

生命之灿烂，艺术之多彩

张桂铭 的戏剧人物作品以鲜明的艺术特色和创作理念受到广泛关注，作品融合传统笔墨与现代审美，色彩运用鲜明，注重块面与色彩的对比，造型夸张且富有戏剧张力。例如《老生》《丑角》《渔夫》等作品通过块面分割和色彩渲染强化人物形象，与传统戏曲人物画注重线条和水墨的表现形成鲜明对比。

张桂铭《戏剧人物》 局部图

他强调“将戏曲入画，发挥绘画的特长”，主张既要体现戏曲神韵，也要突破舞台造型的局限。例如《钟馗》《武剧》等早期作品以线条和水墨为主，后期转向色彩与块面结合，形成独特的“新海派”风格。

张桂铭《戏剧人物》 局部图

他初露锋芒于新浙派人物画，却在1980年代中期以优雅的姿态转向花鸟画的创作。他的作品融合了东西方绘画艺术的墨彩，以当代的平面构成取代对三维空间的追求，以变形取代写实。知名艺术史学者、评论家朗绍君曾认为，1980年代中期，他由人物画转向花鸟画。但这一“转向”，不是走传统花鸟画的路子，而是通过花鸟题材闯一条新路，张扬个性，探求现代感。这探索从三方面展开：以平面构成取代对三维空间的追求，以约形、变形取代写实，突出色彩而淡化水墨。

张桂铭《戏剧人物》 局部图

陈佩秋生前曾认为，有人说他的画西洋味道浓，有的像画布，但他的画还是以笔墨为基础，保留了中国画的本性。潘公凯认为“在他的画中，花鸟、人物都失去了原本的造型要求，成为一种半抽象的符号。花瓶、八大山人图式中的游鱼，一枝梅花或几颗樱桃，都仿佛以中世纪的镶嵌玻璃画的格式加以组合，但分明又有中国画的空灵和老辣。”

张桂铭《戏剧人物》 钤印局部图

张桂铭受到西方现代艺术影响的作品外，更有他早期的浙派人物画时期的作品，尤其难得的是包括大量七八十年代绘写的杜甫、八大山人等画作，颇具文人意趣，同时也包括借鉴民间剪纸创作的戏曲人物画、彩墨山水、书法等。

（原作拍摄）

生命的无尽之意

——石虎

Lot 025

石虎 重彩人物

油画 60×60cm

题识：石虎

简介：石虎(1942年—2023年9月9日)，1942年出生于河北徐水县，1958年入北京工艺美术学校，1960年入浙江美术学院。1977年任职于人民美术出版社。

东方的神性之美

石虎的彩墨画以其独特的艺术风格和创新性而著称。他的彩墨画不仅在视觉上与传统水墨画形成鲜明对比，还在艺术表达上展现了东方艺术的独特魅力。石虎的彩墨画在视觉上具有强烈的冲击力，色彩鲜艳而不浮夸，画面丰富而不单调。他的作品常常突破传统重彩画的程式化限制，展现出随意洒脱的笔触和独特的构图方式。

石虎《重彩人物》 局部图

石虎的创作理念强调“形象大于思维，直觉大于理性，人性大于学养”，这种理念贯穿于他的整个创作过程。他的作品不仅是对物象的再现，更是对内心世界的探索和表达，充满了生命力和灵性。石虎在创作过程中，虽然有深刻的思考和观念，但在面对画纸和画布时，更注重实践和感觉的引领，尊重自己的感觉功能，追求内心的真实感受和需要。

石虎《重彩人物》 局部图

石虎彩墨东方之笔勾勒的意蕴,抽象之美碰撞的气魄,朴素、尽情、畅兴。这些画作,体现着一位智者强悍的生命意志,包含着艺术家石虎吐故纳新的能力和勇气。根植“中国味”的“根性”,有机融合多种绘画语言和表现方式,构成了石虎原生而多情的彩墨世界。以下是凤凰艺术为您带来的评论文章。

石虎《重彩人物》 局部图

在艺术道路上，石虎始终坚持自己的创作理念。他相信“形象大于思维，直觉大于理性，人性大于学养”，这一理念贯穿于他的整个创作过程。石虎作画并非单纯依赖观念，而是更多地依靠自己的直觉和灵性。他深知绘画需要超越思维和理性的束缚，让生命本能的冲动和意识自由流淌。

石虎《重彩人物》 局部图

当然，石虎在创作过程中并非完全摒弃思考和观念。相反，他对历史、社会、人生和艺术都有深刻而独到的思考。然而，在面对画纸和画布时，他更注重实践和感觉的引领。他尊重自己的感觉功能，追求内心的真实感受和需要。在创作过程中，石虎似乎胸有成竹，但又全然胸无成竹，完全凭借自己的感觉和感性去作画。

石虎《重彩人物》 局部图

石虎的绘画作品充满着生命力和灵性，展现出他对自然和人生的深刻洞察。他的画作不仅是对物象的再现，更是对内心世界的探索和表达。石虎的创作风格独特，语言质朴而深刻，给人留下深刻的印象。

石虎的彩墨画在艺术表达上具有深厚的文化底蕴和独特的审美视角。他的作品不仅在视觉上令人震撼，更在精神层面上满足了当代画坛对新型重彩画的期待。他的创作灵感来源于对生活的深刻观察和感悟，通过彩墨画的形式表达出来，使得他的作品具有强烈的情感共鸣和艺术感染力。

（原作拍摄）

我随着潮流来，随着潮流去。

——戴泽

Lot 026

戴泽 风景

油画 50×40cm

题识：戴泽

简介：戴泽（1922年3月—2023年9月13日），重庆云阳人，出生于日本京都本愿寺。同年随其父母回国。自幼喜爱绘画，1942年考入国立中央大学（中华民国时期国内最高学府）艺术系，师从徐悲鸿、傅抱石、谢稚柳、黄显之、秦宣夫、吕斯百、陈之佛等。1946年毕业以后，应徐悲鸿之邀北上北平任国立北平艺术专科学校（中央美院前身）助教、讲师。1949年协助徐悲鸿等人建立中央美术学院。从教数十年来，为中国美术事业培养了大批优秀人才，有靳尚谊、王沂东等。曾修复徐悲鸿《奚我后》等多幅作品。应邀为国家博物馆、中国美术馆、中央美术学院美术馆等机构创作大量作品。戴泽是徐悲鸿重要的弟子，新中国美术教育奠基人，中国第二代油画家代表人物，中央美术学院奠基人，中国美术家协会第一批会员，徐悲鸿教育学派代表人物。

最美的画，画在时间之上

戴泽是中国第二代油画家代表人物、中央美术学院奠基人、中国美术家协会第一批会员，出生于1022年的戴泽曾师从徐悲鸿、傅抱石等艺术大师，后协助徐悲鸿等人建立中央美术学院，从教数十年的戴泽为美术事业培养了大批优秀人才。

戴泽先生的作品有着独特的个人风格，多是反映现实生活，画风朴实真挚。戴泽有着清晰明确的艺术方向，他一直谨记老师徐悲鸿告诫他的话，不要盲目的学习古人、效仿古人、要结合时代注重现实，不要脱离实际。

在戴泽先生的作品中能够看到他对于真实的把控，对于主题的选择，都是通过认真的观察才会入画。手法严谨写实，尤其擅长光感的应用，画面明暗关系的处理是戴泽先生典型的个人化视觉语言。

戴泽先生的主题性绘画是其经典之作，他谨记恩师的教导，满怀社会责任感与使命感，在美术事业中探索实践，不拘泥于任何形式，国画、油画、水彩都信手拈来，他认为绘画是听从内心的召唤，就如同呼吸一样。

从艺80余年的戴泽先生，作品题材涉及风景、人物、景物、历史主题等等，跨越的长度和广度都是在近现代美术史上罕见的，而这期间有60余年的时间戴泽先生都在执教，如今已经是桃李满天下的他，依然饱含热情的坚守自己的绘画之路。

（原作拍摄）

画画是一生的事

——戴泽

Lot 027

戴泽 牧归

油画 40×30cm

题识：戴泽2001

简介：戴泽（1922年3月—2023年9月13日），重庆云阳人，出生于日本京都本愿寺。同年随其父母回国。自幼喜爱绘画，1942年考入国立中央大学（中华民国时期国内最高学府）艺术系，师从徐悲鸿、傅抱石、谢稚柳、黄显之、秦宣夫、吕斯百、陈之佛等。1946年毕业以后，应徐悲鸿之邀北上北平任国立北平艺术专科学校（中央美院前身）助教、讲师。1949年协助徐悲鸿等人建立中央美术学院。从教数十年来，为中国美术事业培养了大批优秀人才，有靳尚谊、王沂东等。曾修复徐悲鸿《奚我后》等多幅作品。应邀为国家博物馆、中国美术馆、中央美术学院美术馆等机构创作大量作品。戴泽是徐悲鸿重要的弟子，新中国美术教育奠基人，中国第二代油画家代表人物，中央美术学院奠基人，中国美术家协会第一批会员，徐悲鸿教育学派代表人物。

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